In Anbetracht der Fülle des Materials entbehrt die Ausstellung nicht eines gewissen Warenhauscharakters. Aber es gibt viele schöne und mitunter auch schräge Arbeiten zu entdecken. Speziell ins Auge fallen etwa die „Eckstücke“ von Kurt Matt. Dabei handelt es sich um Teile einer Euro-Palette, die der Künstler mit unzähligen Schichten transparenten Lackes überzogen und dann mit per Siebdrucktechnik aufgetragenen Schriften versehen hat. Unter dem Titel „Document of Data Exchange 1-3“ wartet Barbara Anna Husar mit drei großformatigen, farbigen Digitaldrucken auf Vinylplanen auf, während von Michael Mittermayer eine Briefmarkenserie („Druck 13.1.2012“), digital gedruckt von der Österreichischen Staatsdruckerei, zu sehen ist, oder sich Ingo Springenschmid auf seine unverkennbar eigenwillige Art textuell und visuell mit der „Nord-West Ansicht der Stadt Bludenz“ auseinandersetzt.
Insgesamt zeigen sage und schreibe 116 KünstlerInnen anhand von über 200 Werken, was ihnen zum Thema „Druck“ einfällt. Qualitativ Ansprechendes ist genauso darunter wie weniger Gutes, Schräges genauso wie Hochgestochenes, Intelligentes genauso wie Banales. Ein Besuch der Ausstellung lohnt sich allemal. Nicht zuletzt bietet sie auch die Gelegenheit, Arbeiten von Künstlern zu sehen, von denen man schon längere Zeit nichts mehr gesehen hat, sei dies etwa von Heinz Greissing, Signe Gehrmann oder auch Peter Kohlbacher.
DRUCK
Bregenz, Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis
Über 200 Arbeiten von 116 KünstlerInnen
Bis 12. Februar 2012
Di-Sa 14-18, So/Fe 10-12 und 14-18 Uhr
www.kuenstlerhaus-bregenz.at
Der alte Vorstand machte in erster Linie die mangelnde Wertschätzung seitens der Vereinsmitglieder für den Abgang verantwortlich. Die Ausstellungseröffnungen und Jour-fixe-Veranstaltungen seien in letzter Zeit regelrecht boykottiert worden. Die Mitglieder bestritten dies auch gar nicht und erklärten ihrerseits, die teils untergriffige und menschenverachtende Einweg-Kommunikation, die der Vorstand von oben herab vollzogen habe, sei für ihr Fernbleiben ausschlaggebend gewesen. Im Gebälk des Vereins hat es sozusagen ordentlich gekracht.
Wie der neue Präsident, Tobias Maximilian Schnell, gegenüber der KULTUR-Zeitschrift betont, will er so schnell wie möglich die Wogen zwischen den zerstrittenen Parteien glätten. Der Verein stehe gut da, ökonomisch habe der alte Vorstand gut gearbeitet, nun gelte es, die Kommunikationskultur auf eine neue Basis zu stellen. Er sehe sich hier vor allem als Integrator, der die Gräben zuschütten und nicht noch weiter aufreißen wolle. Er stellt sich in Zukunft eine Kommunikation vor, die auf Augenhöhe und nicht vertikal stattfinde, die offen sei und bei der jedes Mitglied zu Wort kommen solle. Für ihn sind die Mitglieder die Stärke des Vereins. Folglich sollen die Interessen des Vereins, sprich die Repräsentation der Kunstschaffenden und ihrer Werke in der Öffentlichkeit, künftig im Vordergrund stehen. Eine Streitkultur, die auf Sachlichkeit und gegenseitiger Wertschätzung beruhe, könne da durchaus eine gute Basis darstellen, so der neue Präsident.
]]>In anderen Satzbildern geht es um das Sammeln, um persönliche Wünsche, um Worte oder um emotionale Zustände. Herausgelöst aus dem ursprünglichen Kontext werden die Textfragmente selbst zum Inhaltsträger. Es entsteht eine Art Metasprache. Die phrasenhaften Sätze führen nicht mehr zu nachfolgenden konkreten Inhalten hin, sondern werden selbst zum Gegenstand der Sprachkonstruktion. Mit der Folge, dass für den Leser und die Leserin ganz neue, teils skurrile und irritierende Assoziationen erwachsen.
Die Künstlerin erläutert ihr Vorgehen: „Als Sammlerin und Archivarin liebe ich es, mich in die Materialfülle zu stürzen. Ich sehe mich nicht als Erzählerin konkreter Geschichten, ich möchte alles so offen wie möglich halten. Gerade das Platte und Oberflächliche reizt mich an den Phrasen und Floskeln, denn sie sind nur die Träger der Emotionalität.“ Auch der Titel der Ausstellung – „Erst einmal zurück ins Funkhaus“ – entstammt aus dem Sprachfundus von Schubert. Die Künstlerin entnahm diesen so ideal zu ihrer Werkschau passenden Slogan der Zeit-Ausgabe vom 23. März 2006.
Schubert speist ihr Reservoir an Floskeln und Phrasen aber nicht nur aus Printmedien. Auch andere Medien sind vor dem Blick und dem Schnitt der Künstlerin nicht sicher. So hat sie für ihre Dornbirner Ausstellung Tausende Minuten der ORF-Sendung „Vorarlberg heute“ analysiert und seziert. Wobei sie sich hier auf die Überleitungen zu anderen Themen konzentriert hat, etwa zum Wetterbericht, zu einem Unglücksfall oder einer kriminellen Handlung. Und wenn offenkundig wird, wie ähnlich die ORF-Mannen und –Frauen beispielsweise sprachlich auf verschiedene Ereignisse hinweisen, bricht auch etwas Sprachkritik durch. Die sich ständig wiederholenden Phrasen wirken wie redundante Sprachfetzen, wie Sprachtrailer, die sich im Endlos-Loop selbst ad absurdum führen.
Veronika Schubert: „Erst einmal zurück ins Funkhaus"
ORF-Funkhaus Dornbirn
Bis 27. März 2012
Wie aus dem vom Vorstand verfassten Papier weiters hervorgeht, wurde in den vergangenen zwei Jahren die Infrastruktur auf eine neue Basis gestellt. Ein Sekretariat wurde installiert, neue Ausstellungsrichtlinien wurden verfasst, High-Tech-Geräte angeschafft sowie eine neue Website aufgesetzt. Trotz dieser Investitionen ist es dem Vorstand den Unterlagen gemäß gelungen, durch ein striktes Kostenmanagement den Verein finanziell von einer schwarzen Null zu einem Rücklagenplus von über 7.000 Euro zu führen. Diese Arbeit wird denn auch von den Mitgliedern durch die Bank positiv bewertet, wie KULTUR durch verschiedene Telefonate herausfinden konnte.
Hingegen konnten sich viele Vereinsmitglieder nicht mit der Kommunikationspolitik des Vorstandes abfinden. Die meisten Entscheidungen seien von oben herab diktiert worden, was dem basisdemokratischen Grundprinzip, nach dem der Verein einst gegründet wurde, zuwiderliefe. Nach Ansicht etwa der Kunstschaffenden und Vereinsmitglieder Cornelia Blum, Roland Adlassnigg und Arno Egger sei die Art der jetzigen Rücktrittsankündigung symptomatisch für die Kommunikation. Ohne jegliche vereinsinterne Diskussion und Absprache sei dieses Schreiben einfach nach außen verschickt worden. Dies sei nicht nur gegen die Gepflogenheiten des Vereins, sondern sie orten darin zudem ein vereinsschädigendes Verhalten, könnten doch dadurch die Sponsoren sowie das Land als Subventionsgeber für den Verein negative Konsequenzen daraus ziehen.
Die meisten Vereinsmitglieder fühlen sich durch die nicht abgesprochene Rücktrittsankündigung regelrecht vor den Kopf gestoßen. Arno Egger etwa, der doch als Intimus von Harald Gfader gilt, bezeichnete das Schreiben als „Scheißaktion“, die alles Gute, das der Verein in den Jahren seit der Gründung geleistet habe, in Misskredit ziehe. Auch Cornelia Blum vertritt den Standpunkt, dass mit diesem nach außen gerichteten Schreiben auf einen Schlag alles zerstört werde, was der Verein mühevoll aufgebaut habe.
Zwischen Vorstand und Mitgliedern schwelt offenbar seit längerem ein Konflikt. Für etliche Vereinsmitglieder gebärdeten sich Teile des Vorstands so, als ob ihnen der Verein gehöre. Sie boykottierten folglich die Veranstaltungen des Vereins. Ein Umstand, an dem sich Vorstandsmitglied Gfader sehr stieß. Laut Gfader sind zu den großen Ausstellungseröffnungen sowie den Jour-fixe-Treffen kaum mehr Vereinsmitglieder aufgekreuzt. Er sieht seine Arbeit und die des Vorstandes damit schlecht belohnt. Er verweist in diesem Zusammenhang auf das Schreiben, in dem es wörtlich heißt: „Das Positive war, dass zumindest die Vorstandsmitglieder das gleiche Ziel verfolgten, die Kunst im allgemeinen weiter zu bringen, den Verein im besonderen so weit zu stärken, dass er aufrecht und autonom wieder funktionieren kann, um sich den gegewärtigen Herausforderungen zu stellen. Mit viel ehrenamtlichem Engagement und Liebe zur Sache, allen diesen widrigen vereinsinternen Umständen zum Trotz, ist es dem Vorstand gelungen, Kunst. Vorarlberg, trotz des minimalen Budgets, wieder auf Linie zu bringen.“
Auf die Frage von KULTUR, warum der Vorstand denn nun konkret zurücktrete, nachdem Kunst.Vorarlberg ja nun wieder auf Kurs sei, meinte Gfader, dass er darauf nur mit „FFF“ antworten könne. Was soviel wie „feist, feig und faul“ bedeute. Gemeint seien damit die Vereinsmitglieder, für die er keinen Tropfen Blut mehr spenden würde.
Dies zeigt deutlich, wie tief die Gräben bereits sind. Den Vereinsmitgliedern bleibt nun wohl nichts anderes übrig, als sich zu bemühen, dass der Konflikt nicht noch mehr eskaliert, dass rasch ein neuer Vorstand gefunden wird, dass mit dem Land, der Stadt und den Sponsoren Gespräche geführt werden, um möglichst wieder in ruhigeres Fahrwasser zu gelangen. Denn ungeachtet des „internen Krieges“, der momentan geführt wird, ist auch offenkundig, dass Kunst.Vorarlberg mit zahlreichen guten Veranstaltungen und Ausstellungen das Kulturklima im Land stark bereichert hat.
Undwiederbringliche Sammlung von Industrieanlagen
Bernd Becher (1931-2007) hatte die Zechen sozusagen im Blut. Er wuchs im nordrhein-westfälischen Siegen auf, wo bereits sein Großvater und Urgroßvater die Brötchen im Bergbau verdienten. Becher studierte zunächst Malerei in Stuttgart, bevor er sich in Düsseldorf der Typologie widmete. Dort lernte er die aus Potsdam stammende ausgebildete Fotografin Hilla Wobeser (geb. 1934) kennen, die er dann 1961 ehelichte. Bernd Becher war von den Arbeitsstäten seiner Vorfahren wie elektrisiert. Zusammen mit Hilla bereiste er die Welt und hielt die Hochöfen und Kohlebunker, Gasbehälter, Wasser- und Fördertürme oder Fabrikshallen in Deutschland, Europa und in den USA in Schwarz-Weiß-Technik fest. Das Werk der Bechers ist eine unwiederbringliche Sammlung von Industriebauten.
Verschränkung von Arbeit und Leben
Es gibt kaum ein großes Ausstellungshaus, das in den letzten Jahrzehnten nicht irgendwann einmal die Bechers ausgestellt hätte. Fast immer standen dabei die Industriearchitekturen im Vordergrund, und kaum einmal die Landschaften, in die diese Architekturen integriert waren - obwohl das Fotografenpaar auch diese Industrielandschaften systematisch erfasst hat, wenn auch nicht im selben Aussmass wie die Architekturen. Genau diese Industrielandschaften nimmt aber nun das Fotomuseum Winterthur unter die Lupe. Ähnlich wie in den typologischen Mehrfachansichten und Reihungen von Konstruktionen zielt das Künstlerpaar auch in diesen Industrielandschaften auf ein vergleichendes Sehen, so Ausstellungsmacher Heinz Liesbrock. „Mehr als die bekannten einfachen Gebäude-Typologien können die Industrielandschaften unter zeithistorischen und sozialen Gesichtspunkten gelesen werden. Neben den monumentalen Funktionsbauten sind oft Wohnhäuser, Gärten und Kleingärten zu sehen, die beschreiben, wie verschränkt Leben und Arbeiten zu dieser Zeit organisiert waren und wie tief verwurzelt der Mensch in diesen stadtähnlichen Gebilden war,“ streicht Liesbrock hervor.
Wie Hilla Becher in einem Interview mit dem Kunstforum konstatiert (Band 201, 2010) hatte sie selber zunächst ein größeres Interesse an der Landschaft als ihr Mann. Hilla Becher: „Die Architektur ist das Hauptthema. Aber so, wie ein Biologe oder Zoologe gern wissen möchte, in welchem Zusammenhang, in welcher Vegetation und in welcher Gruppe sein Tier lebt, so interessiert uns natürlich auch, wie alles zueinander steht, in welcher Gegend das ist und wie die Häuser drumherum aussehen. Außerdem hat man ja alles miterlebt, auch das Umfeld ... Das hat mich mehr interessiert. Da waren wir etwas verschiedener Meinung. Der Bernd hat sich etwas weniger dafür interessiert. Das war aber nur graduell so, und das hat er am Ende auch aufgegeben. Er legte immer Wert darauf, dass man bei einzelnen Aufnahmen auch begreift, wie die ganze Gruppe oder das ganze Werk aussieht, wenn es geht.“
Zentralperspektivischer Bildaufbau
Bernd und Hilla Becher waren in vielerlei Hinsicht Vorreiter, die Generationen nachkommender FotografInnen prägten. Sie bedienten sich einer nüchternen Sachfotografie, um die archaische Ästhetik industrieller Bauten monumental ins Bild zu setzen. Industriearchitekturen erhoben sie zur Kunst, indem sie sie wie anonyme Skulpturen inszenierten. Um Nebensächliches auszublenden, konzentrierten sie sich auf einen zentralperspektivischen Bildaufbau. Um jeglicher Dramatik vorzubeugen, fotografierten sie bei diffusen Lichtverhältnissen. Sonnenlicht bedingte Licht- und Schatten-Spiele sollten tunlichst vermieden werden.
Schule des Sehens
Seit den 1970er Jahren gaben die Bechers ihr Wissen auch an Kunststudenten weiter. An der Kunstakademie Düsseldorf lehrten sie die rationale „Schule des Sehens“, die noch heute im Zentrum der deutschen Gegenwartsfotografie steht. Einige ihrer Schüler wie etwa Andreas Gurski, Thomas Struth, Thomas Ruff, Candida Höfer oder Axel Hütte sind mittlerweile international bekannter als die Fotopioniere selbst.
Bernd und Hilla Becher Bergwerke und Hütten – Industrielandschaften
Fotomuseum Winterthur, Halle
Bis 12. Februar 2012
Di-So 11-18, Mi 11-20
www.fotomuseum.ch
Schwarze Obsessionen
Für den Besucher wird evident, dass etwa Rainer Wölzl seiner Obsession für die Farbe respektive Nichtfarbe Schwarz und seinem Spiel für das Verbergen und Verschweigen treu geblieben ist. Von ihm sind zwei Gesichter zu sehen, die mit ihren geschlossenen Augen und schwebenden Haaren in einem tiefen Schwarz zu versinken scheinen.
Miriam Rieker setzt mit Hilfe des Bleistiftes authentische Arbeitssituationen auf Baustellen aufs Papier. Auf ihren mit „ohne Titel“ bezeichneten Werken sind Arbeiter zu sehen, die mit Schaufeln Material einebnen oder etwa eine sich senkende Baggerschaufel, die mit Streugut gefüllt ist. Nach einer längeren Phase, in der die Ölmalerei dominiert hat, sind die nunmehrigen „künstlerischen Baustellen“ für Rieker Ausdruck einer neuen Lust am Zeichnen.
Auf eine Gratwanderung zwischen Zeichnung und skulpturalem Schaffen begibt sich Walter Kölbl mit seiner Arbeit „Aus dem Lot“. Seine zwei hochformatigen, goldglänzend eloxierten Aluminiumplatten sind etwas verkanntet zueinander gehängt und zeugen von einer gleichermaßen minimalistischen wie sinnlich wahrnehmbaren Qualität.
Geschlechtslandschaften
Dass der Körper noch immer für kleine Aufreger sorgen kann, zeigt wieder einmal Gottfriede „Göpf“ Bechtold, der mit schnellen, markanten Kugelschreiber- oder Filzstiftstrichen tiefe Einblicke in die weiblichen Geschlechtslandschaften gewährt. Auch Emi Rendl-Denk thematisiert das Körperhafte. Sie verweist mit ihren Beiträgen auf die Vieldeutigkeit des Körperbegriffs, - allgemein Gegenständliches wird auf den Körper fokussiert.
Eine ganz spezielle Position bekleidet Kirsten Helfrich. Unter dem Titel „partizipation“ hat sie zur Ausstellung drei Blätter beigesteuert, auf denen sie die Ausschreibung und den Ablehnungsbescheid zum Kunst-am-Bau-Wettbewerb der Volksschule Oberau in Feldkirch samt Logo-Bildern mit zartem Bleistiftstrich nachgeschrieben und nachgezeichnet hat.
Be kind remind
Galerie.z, Hard
bis 7.1.2012
Di, Do 18 - 20, Sa 10 - 12 und nach Vereinbarung
Mit: Gottfried Bechtold, Bernhard Buhmann, Tone Fink, Harald Gfader, Bertram Hasenauer, Kirsten Helfrich, Walter Kölbl, Moussa Kone, Ch. Lingg, Jaybo aka Monk, Alfons Pressnitz, Norbert Pümpl, Emi Rendl-Denk, Miriam Rieker, Walter Weer, Bruno Wildbach, Rainer Wölzl
]]>Die Art, wie er diese „neue“ Gattung pflegt, erinnert in ihren Grundzügen an die Impressionisten. Müller bewegt sich „plein air“ in der Natur. Allerdings nicht mit Staffette und Palette, sondern mit der Digitalkamera. Er fotografiert Motive wie Berge, Bäche, Quellen oder Wälder, speist sie ins Computerarchiv ein, um dann gezielt ausgewählte Sujets in langen Sitzungen in Öl auf die Leinwand zu bringen. Einer Welt überdrüssig, die sich sukzessive selbst an den Abgrund richtet, erkundet er seine persönlichen Paradiese und ermalt sich sozusagen eine von persönlichen Empfindungen getragene Gegenwelt. Eine Gegenwelt, die auf den ersten Blick der natürlichen Vorlage fast fotorealistisch die Hand reicht. Wirken die Arbeiten auf Leinwand auf den ersten Blick wie exakt reproduzierte digitale Vergrößerungen, so tun sich beim näheren Hinzutreten sinnliche, vor Plastizität geradezu strotzende und mit Öl erschaffene „Naturwelten“ auf.
Obwohl St. Gallen sein Heimatort ist und er von dort aus seine künstlerischen Umtriebe gestartet hat, ist seine jetztige Ausstellung „Sangallensia III“ in der Galerie Christian Roellin nach derjenigen im Kunstmuseum (1992) und jener in der neuen Kunst Halle (2006) erst die dritte Ausstellung in der Stadt, die dereinst vom Heiligen Gallus gegründet wurde, wie die Legende besagt. Und weil dies so ist, werden in der Galerie nicht nur die neuesten Werke präsentiert. Der Künstler hat zusammen mit dem Galeristen eine speziell auf die Räume zugeschnittene Auswahl erlesener Exponate zusammengestellt, die sich zu einer kleinen Retrospektive über die letzten zwei Jahrzehnte Müllerschen Schaffens verschränken. Die älteste Arbeit, ein in Öl auf Papier gemalter „Kopf“ datiert ins Jahr 1991. Ein „Blaues Mädchen“, 1997 aus Weidenholz geschnitten, und „Zwei Liegende“ aus bemalter Pappel (1998), die das Untergeschoss der tollen Räumlichkeiten monumental besetzen, zeugen von der expressionistischen Macht des Künstlers in der Figur. Neue Ölbilder, wie das in gleißendes, goldenes Licht getauchte Lenzerhorn („Lichträume“), beschließen einen zeitlichen Horizont, in dessen Rahmen Bild und Skulptur einen überaus sinnlichen Dialog beschreiben.
Sangallensia III: Josef Felix Müller – Werkübersicht
Galerie Christian Roellin, St. Gallen
Bis 22. Jänner 2012
Do-Fr 14-18, Sa 12-16
www.christianroellin.com
Früher hat Anzinger mit Acryl gemalt. Infolge einer Terpentin-Allergie hat er aber auf Leimfarbe umgesattelt. Auch der deutsche Zigeunermaler Otto Müller hat seinerzeit mit Leimfarbe gewerkt. Anzinger sagt über diese Technik: „Sie ist eigentlich eine Deko-Farbe, mit der man früher die Wohnräume angestrichen hat. Ich sah dann, dass auch die etruskische und die ägyptische Malerei in ihrem Material der Leimfarbe ähneln... Die Farbe ist körperlos. Man trägt sie dunkler auf, als sie dann austrocknet.“ (Kunstforum 207, 2011) Diese Körperlosigkeit verleiht der Farbe eine große Leichtigkeit und Transparenz. Die Bilder haben einen pastellenen Charakter und erscheinen stark lichtdurchflutet.
Der pastellenen Leichtigkeit kommt auch Anzingers Duktus entgegen. Seine Figuren, die Themen wie dem Wilden Westen, dem Paradies, der Religion oder dem Alten Äygpten entnommen sind, kommen mit einer fast Comic-artigen, spontanen Groteske daher. Sie wirken schräg, komisch, ironisch. Und immer wieder rückt das Triebhafte ins Bild. So bevorzugen es etwa auch die Indianer, die Frauen zu besteigen oder ihnen zwischen die Beine zu blicken, anstatt den Tomahawk schwingend in den Kampf zu galoppieren. Auch Indianer reproduzieren sich. Anzinger setzt das erotische Element, das so daseinsbestimmend ist, mit einer unglaublich schalkhaften, schwingenden Selbstverständlichkeit ins Bild. Bei Anzinger scheint sich die ganze Welt in einem Erregungszustand zu befinden.
Wobei es der Künstler nicht so genau nimmt mit den Kulturen. Die urkomisch wirkenden, Moped fahrenden IndianerInnen könnten durchaus auch österreichische oder europäische Figuren sein, denen er einfach Federn ins Haar gesteckt hat. Will er östliche Figurentypen visualisieren, setzt ihnen Anzinger halt einen Turban auf. In ihrem Grundverhalten sind sich die Menschen der verschiedenen Kulturen jedenfalls sehr ähnlich. Dass Anzinger immer noch zu den heißesten Eisen unter den österreichischen Malern zählt, wird in dieser wie aus einem Guss erscheinenden Ausstellung offenkundig.
Siegfried Anzinger: Werke 2011
Bis 30.12.2011
Künstlerhaus Palais Thurn & Taxis Bregenz
www.kuenstlerhaus-bregenz.at
Die türkische Künstlerin hinterfragt mit ihrer Arbeit die Speichermethoden für unstrukturierte Daten. Sie stellt zur Diskussion, wer denn in erster Linie die Bilder ins Web stellt. Und wer diejenigen Bilder weiter verlinkt, die sie nicht selbst auf ihrer offiziellen Website autorisiert hat. Und wer hinter dem unzuverlässigen, sonderbaren Bildarchiv steckt, dass sich permanent verändert. Erkmen hat für die Ausstellung, die den Titel „itself“ trägt, über 700 Bilder ausgewählt, die im Internet mit ihrem Namen verlinkt sind. Indem sie die Bilder aus ihrem digitalen Kontext herausschält, erwächst ein „anonymisiertes Selbstporträt“, das in manchen Teilen ganz eng, an anderen Stellen überhaupt nicht mit der Kunstschaffenden korreliert.
„itself“ fügt sich bestens in die komplexen, sich netzwerkartig ausbreitenden Kunstprojekte ein, mit denen Erkmen bekannt geworden ist. 2001 etwa – um ein Beispiel zu nennen – erzeugte sie immenses Aufsehen, als sie im Rahmen von „Shipped Ships“ vier Wochen lang drei Fähren auf dem Main bei Frankfurt für Besucher fahren ließ. Das Besondere daran war, dass sie für diese Aktion Passagierboote für den öffentlichen Nahverkehr aus fernen Ländern nach Deutschland verfrachtete. Dafür setzte sie drei Kuratoren ein, einen für das Schiff aus Japan, einen für Istanbul, einen für Italien, um ein Vaporetto aus Venedig zu holen. Der bürokratische Aufwand war enorm, nicht nur, um die Schiffe nach Deutschland zu bringen, sondern auch um all die Papiere für die Schiffsmannschaften zu organisieren.
Ayşe Erkmen
Magazin 4, Bergmannstraße 6, Bregenz
Bis 19.2.2012
Di-So 14-18 Uhr
www.bregenzerkunstverein.at
Die Idee ist das Wichtigste
«Die Idee ist der wichtigste Teil der künstlerischen Arbeit», verkündet die heutige Kunstprofessorin. Wie unerschöpflich und vielgestaltig die Ideen aus ihr heraussprudelten, kann man anhand von 57 Vitrinen nachvollziehen, die – vollgestopft mit Notizzetteln, Zeitungsausschnitten, Drehbüchern und originalen Skizzen – der Bregenzer Archivschau zugrunde liegen. Selten hat das KUB, das ansonsten eher für spartanische Ausstellungen bekannt ist, mit einer derartigen Fülle an Materialien aufwarten können. Für den Betrachter eröffnet der Blick ins Privatarchiv von Valie Export einen Fundus, aus dem er gar nicht mehr auftauchen möchte.
Busen abtasten
Im ersten Stock ist auch ein Fernsehbeitrag über den Auftritt der jungen Aktionskünstlerin mit dem legendären «Tapp- und Tastkino» in den 1960er Jahren zu sehen. Mit einem Kasten vor der entblößten Brust forderte Export die Leute damals auf, in die Kiste zu greifen und Kino live zu ertasten. Die Aktion wollte die Besucher, die üblicherweise Sex im Dunkeln konsumierten, mit ihrem voyeuristischen Verhalten konfrontieren. Die originale „Busen-Box“ selbst ist ebenfalls als Objekt ausgestellt. Genauso wie auch die geschlitzte Hose, die Export für das wohl schon millionenfach in den Medien abgedruckte Foto „Genitalpanik“ trug.
Der Mittelstock wird dominiert von der Großinstallation "Fragmente der Bilder einer Berührung" aus dem Jahre 1994, wo von der Decke hängende Glühbirnen mechanisch in schmale Gefäße mit Milch, Altöl oder Wasser getaucht werden. Diese Arbeit, die eine Installation massenhafter Geschlechtsakte oder auch eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit Geld (Öl), Sex und Macht darstellen könnte, war beispielsweise auch im Rahmen der Retrospektive im Museion Bozen zu Beginn dieses Jahres zu sehen. Für Bregenz wurde sie aber in eine neue Konstellation gebracht.
Expanded Cinema
Im obersten Stock zeigt das KUB ein Furioso von 30 Filmen, die auf Leinwänden und Monitoren abgespielt werden. Kunstwerke, in denen Export die Gesellschaft anhand ihrer Auffassung von „Expanded Cinema“ erkundet und entblößt. Experimentelle Beiträge Exports zur Weiterentwicklung des Kunstfilms. Beklemmend etwa der 16-mm-Streifen «Remote, remote», in denen die Künstlerin mit einer Rasierklinge unter ihre Nägel fährt und die blutenden Finger in Milch taucht. Die Verletzung der Haut als Abwehr und Überwindung physischer und psychischer Unterdrückung durchbricht gewohnte Sehweisen. Die körperliche Verletzung als künstlerischer Protest und als Sichtbarmachung verborgener gesellschaftlicher Strukturen.
Die Ausstellung im KUB gibt ein überaus komplexes Bild einer Ausnahmekünstlerin. Einer Künstlerin, die auch als Theoretikerin und Organisatorin von Ausstellungen stets für die Emanzipation der Frau eingetreten ist. 1975 etwa organisierte Export in Wien eine Frauenausstellung, die in dieser Form im damaligen Europa einzigartig war.
Als Aktionistin wurde Valie Export in den 1960er und 1970er Jahren vielfach belächelt, nicht ernst genommen. Aus Geldmangel war sie ständig zum Jobben gezwungen. Aber im Unterschied zu vielen männlichen Aktionisten der damaligen Zeit, hat sich Export ständig weiterentwickelt. Während sich etwa Rudolf Schwarzkogler, in der Sackgasse steckend, aus dem Fenster stürzte, und ein Hermann Nitsch heute immer noch dieselben Farben und dasselbe Blut schüttet, stellte sich Valie Export formal, technisch und inhaltlich immer wieder neuen Herausforderungen. Entsprechend vielschichtig ist denn auch ihr Gesamtoeuvre, zu dem die vom KUB ins Scheinwerferlicht gestellten Archivalien eindrückliche Verbindungslinien ziehen.
VALIE EXPORT
Archiv
bis 22.1.2012
Di - So 10 - 18, Do 10 - 21
Kunsthaus Bregenz
www.kunsthaus-bregenz.at
]]>Der/die Vorarlberger/in mag unwillkürlich an die Papierfelsen von Johannes Ludescher denken. Aber im Gegensatz zu Ludescher, der seine Felsobjekte aus Holzgerüsten und Papier konstruiert, wie man ein Modellflugzeug baut, handelt es sich bei Marcel um Pappmaché-Abdrucke realer Gesteine der Natur. Auf dem Rückweg von dieser monumental im Luftraum „stehenden“ Felsenkette wird man des riesigen, in einem kräftigen, monochromen Rot gehaltenen, reliefartigen Bildes gewahr, das an der Rückseite der den Raum verschränkenden Wand befestigt ist. Es ist der eingefärbte Abdruck eines abgeernteten Maisfeldes, von dem sich auch der Titel der Ausstellung, „Red Harvest“, ableiten lässt.
Der französische Künstler ist eigentlich mit Architekturmodellen bekannt geworden, die brachliegende Industriegebäude detailgenau nachbildeten. Zwischenzeitlich widmet sich Marcel jedoch vor allem landschaftlichen Fragmenten. Wobei er seine Vorstellungen von Landschaft jeweils nur andeutet: Die Gesteinsbrocken oder der Ausschnitt des Maisfeldes werden als Ikonen verwendet, um die Dialektik zwischen natürlicher und synthetischer Materie, zwischen Realität und Künstlichkeit, Gebändigtem und Unverstelltem auszuloten. Kaum der Darstellung verhaftet, „prägt" und „formt" der Bildhauer seine Objekte im Maßstab 1:1 und verzichtet auf jeglichen Mimetismus zugunsten eines spielerischen Umgangs mit reinen Farben und Materialien, der auf einen komplexen konzeptuellen Ansatz verweist.
„Didier Marcel verwirklicht in den Ausstellungssälen mittels Skulpturen und Installationen regelrechte Landschaftsinzenierungen, die völlig künstlich und zugleich gänzlich identifizierbar sind, wie modellierte Gemeinplätze. Für Didier Marcel ist die Landschaft weder ein künstlerischer Stoff noch ein Vorwand, sondern sie ist ein verfügbares Territorium, ein physisches und mentales Gebiet, das ebenso dem Bereich der Banalität wie dem Bereich des Trugbilds zugehört“, meinte der Kurator der Ausstellung, Olivier Grasser, bei seiner Eröffnungsrede. Grasser ist der Leiter des Frac Alsace, der Kunsthalle von Dornbirns Partnerstadt Sélestat. „Red Harvest“ ist das zweite Kooperationsprojekt der beiden Institutionen.
Didier Marcel hat den Titel der Installation „Red Harvest“ im übrigen dem gleichlautenden Erstlingsroman des Amerikaners Dashiell Hammett entnommen. Hammett hat diese „hard boiled novel“ im Jahre 1929 verfasst. Kurz vor dem globalen Börsencrash jenes Jahres geschrieben, schildert Hammett darin ein Amerika, das vom Dämon Geld beherrscht ist und die Gesellschaft in einem Sumpf von Korruption und Rücksichtslosigkeit zu versinken droht. Im Roman ist die „rote Ernte“ eine feuerrote Blutschicht, die das schmutzige Grau der Stadt überzieht. Analogien zum Hier und Heute drängen sich zwangsläufig auf.
Didier Marcel: „Red Harvest“
Bis 20.11.2011
Kunstraum Dornbirn
Di-So 10-18
www.kunstraumdornbirn.at
Dass aber auch in der Farbfotografie klar seine Handschrift auszumachen ist, lässt sich in Frastanz gut nachvollziehen. Denn auch wenn er im Auftrag unterwegs ist, hält er sich an das Grundprinzip, sich in der Landschaft und bei den Leuten aufzuhalten und sozusagen Empirie, Feldforschung zu betreiben, bevor er den Auslöser betätigt. Er studiert Land und Leute, setzt sich den örtlichen Lebensbedingungen aus, erkundet Eigenheiten und Alltägliches, um das Wesentliche zu erkennen und dann als komplexen Moment im Bild zu fixieren.
Die Werke Walters sind folglich direkt aus dem Leben gegriffen. Es sind verdichtete Stills, Gesten, Prozesse, Abläufe, Situationen, die er als Ganzes erfasst und mit der Kamera zum ewigen Bild gerinnen lässt. Nur ganz wenige beherrschen so wie er die Kunst, Nähe und Distanz sowie künstlerische Objektivität und fotografische Aussage im richtigen Maß auszuloten.
Die Badenden im Schwimmbad in der Felsenau, mit der im Hintergrund ganz nah herangezoomten Frastanzer Kirche, die Kinder am Schilift oder beim Plantschen im Wildbach, die alten Herrschaften, die die Jagdtrophäenschau besuchen – das Gespür Walters für den Menschen, das Wesentliche, die Gesamtheit, das Innere einer Situation ist allgegenwärtig, auch in seinen digitalen Farbfotografien.
Nikolaus Walter: „Im Walgau“
Museumswelt Frastanz
Bis 27. Oktober
Geöffnet jeden Mittwoch oder nach telefonischer Vereinbarung
Der Satz „You are wonderful“ stammt vom schottischen Schriftsteller Sir Arthur Conan Doyle, dem Schöpfer des legendären Sherlock Holmes. Doyle sagte diese Worte auf dem Sterbebett zu seiner Frau Jane am 7. Juli 1930. Der Krimi-Autor absolvierte einen Teil seiner Schulzeit am Jesuiten-College Stella Matutina in Feldkirch, womit auch der Bezug zur Montfortstadt gegeben ist. „Das Leben ist unendlich viel seltsamer als irgendetwas, das der menschliche Geist erfinden könnte. Wir würden nicht wagen, die Dinge auszudenken, die in Wirklichkeit bloße Selbstverständlichkeiten unseres Lebens sind", diagnostiziert Detektiv Sherlock Holmes in einem der Doyle-Romane.
Zwar ist Marbod Fritsch den meisten Kunstinteressierten vor allem als Zeichner ein Begriff. Mit seiner Bahnschranke im Harder Seebecken, dem Running Man im Feldkircher Reichenfeld und vielen anderen Arbeiten im öffentlichen Bereich hat Fritsch aber immer wieder auch seine Stärken im raumbezogenen Schaffen unter Beweis gestellt. Mit dem auf der Schreibstiftspitze applizierten Arthur-Conan-Doyle-Zitat untermauert der Künstler erneut, dass das konzeptionelle Denken bei ihm stets allgegenwärtig ist.
]]>Wie Mayer selbst sagt, kommt ihm der Siebdruck werktechnisch sehr entgegen, da sich damit klare Formen besonders gut realisieren ließen. Mayer: „Wenn man vom Entwurf bis zum fertigen Bild alle Arbeiten durchführt, kann man Techniken anwenden, die im Siebdruck normalerweise nicht üblich sind. Den Zufall nehme ich bewusst ins Bild. Er spielt sowohl in meinen lyrisch abstrakten Bildern, die spontan aufs Sieb gesetzt werden, als auch in den geometrischen Bildern eine Rolle.“
Hunderte von Siebdrucken sind solcherart in der Druckwerkstatt des Götzner Künstlers entstanden, wobei sämtliche Arbeitsschritte von Mayer selbst durchgeführt wurden, von der Anfertigung der Schablonen für die Formen bis hin zum Druck. Dies kostet Kraft und Energie, die dem mittlerweile 83-Jährigen immer mehr fehlt. Deshalb hat er sich arbeitstechnisch in letzter Zeit immer stärker auf die Acryl-Malerei verlagert. Wobei Malerei vielleicht nicht der exakte Ausdruck ist, denn Mayer arbeitet nicht mit dem Pinsel, sondern er schüttet die Farbe auf den Bildträger. Als Parameter, die das Endprodukt prägen, sind die Größe des Schüttgefäßes, die Viskosität der Farbe sowie die Neigung der Leinwand von entsprechender Evidenz. In der Galerie Kurzemann sind Schüttbeispiele zu sehen, die in der Farbe Rot gehalten sind. Mayer „schüttet“ aber gerne auch in Gelb, Blau und Grün.
Gerade bei den jetzt ausgestellten Werken denkt man automatisch an den Prinzendorfer Paradeschütter Hermann Nitsch. Im Unterschied aber zu Nitsch, bei dem immer die Aktion als solche im Mittelpunkt steht, will Mayer das fertige Bild im Zentrum wissen. Ganz dem Gedanken von Hervarth Walden folgend, dem Schriftsteller, Verleger, Galeristen, Musiker und Komponisten, der auch zu den wichtigsten Förderern der deutschen Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts zählte und bereits 1924 schrieb: „Der Ausdruck eines Kunstwerkes ist seine Wirkung. Wirkung entsteht nur durch sinnliche Wahrnehmbarkeit.“ Wie schon bei den Siebdrucken kommt dem Zufall und der spontanen Eingebung auch bei diesen Schüttbildern eine zentrale Bedeutung zu.
Elmar Mayer: "Acrylbilder und Siebdrucke"
Galerie Kurzemann, Götzis
Bis 21.10.2011
Di, Do, Fr 17 - 19
Die Ideen von heute waren früher bereits vorhanden
Im Inneren des Museums erwarten den Besucher dann sorgsam ausgewählte Werke des Künstlers, die in den vergangenen 20 Jahren entstanden sind. Zwar ist der Großteil der Ströhleschen Exponate doch neueren Datums, aber es lässt sich anhand der präsentierten Gemälde, Zeichnungen, Objekte und Videos doch herauslesen, was sich wie ein roter Faden durch das Schaffen Ströhles hindurchzieht, nämlich die Linie. Der Künstler ist in den 1980er Jahren mit „Streifen- und Linienbildern“ bekannt geworden, und dieses Element ist heute nach wie vor dominant. Oder umgekehrt formuliert, die Ideen von heute waren damals schon vorhanden.
Alles "wobbelt"
Zentrales Arbeitsgerät sind heute die schon erwähnten Federstahlbänder. Er formt mit ihnen bewegliche Skulpturen, die an Vasen, Flaschen oder Hosen erinnern. Tippt man sie an, so beginnen sie zu „wobbeln“, wie Ströhle dies nennt, und werfen Schatten auf den Boden oder an die Wände, die wie animierte Zeichnungen wirken. Er verwendet die Bänder auch als Schablonen, um blasenartige Gebilde auf die Leinwand zu bringen, die dann wie gestauchte oder ins Bild gequetschte „Bubbles“ wirken. Die mit den Bändern formierten Wobbels dienen auch als ein Art Behausung für Performancekünstler oder TänzerInnen, die sich in diesem Federstahlgehäuse bewegen und die Kunstwerke wie lebende Figuren erscheinen lassen. Im Otten Kunstraum sind mehrere Videoaufzeichnungen solcher Federstahlbandperformances installativ angeordnet. Am eindringlichsten dabei die Videoarbeit „1X1X1“, die in Zusammenarbeit mit Tom Hanslmeier entstanden ist – mit dem Ströhle immer wieder kooperiert - und im Öltank gezeigt wird, der sich ebenfalls im Freigelände befindet. In diesem Video bewegt sich eine Tänzerin innerhalb eines Federstahlbandgebildes nach einer bestimmten Choreografie, wobei die Geräusche der vor- und zurückpeitschenden Bänder den geschmeidigen Bewegungsakt gespenstisch-eisige untermalen.
Karl-Heinz Ströhle
„Ornament und Aformation“
Otten Kunstraum, Hohenems
bis 31. Mai 2012
www.ottenkunstraum.at