Den Beginn macht Payam Taghadossi, der nach Abschluss seines Bachelor-Studiums mit Auszeichnung in Zürich nun bereits ein Masterstudium an der Zürcher Hochschule der Künste bei Thomas Grossenbacher angetreten hat und regelmäßig im dortigen Tonhalle-Orchester musiziert. Auf seinem kostbaren Instrument von Lorenzo Ventapane aus dem Jahr 1820 tritt er zusammen mit seinen beiden Schweizer Freunden vom Trio Gagliano auf, der aparten Züricher Geigerin Romaine Bollinger, mit ihrem hellen Teint anzusehen wie eine kostbare Porzellanpuppe, und dem niederländischstämmigen Berner Pianisten Alexander Boeschoten. Und alle sind sie 23 Jahre alt, so wie Taghadossi, und musizieren schon mehrere Jahre zusammen.
Mit Schuberts wunderbarem Es-Dur-Klaviertrio haben sie sich eines der gängigsten, aber auch anspruchsvollsten Werke romantischer Kammermusik vorgenommen, dem kompetent beizukommen ein gutes Maß an Mut und Verantwortungsbewusstsein verlangt. All dies ist bei den Dreien im Übermaß vorhanden, dazu höchstes spieltechnisches Niveau, jugendlich drängende Gestaltungskraft und eine traumwandlerische Sicherheit im Zusammenspiel. Der berühmte zweite Satz erhält bei ihnen einen deutlich vorwärts drängenden Puls, das Finale mit den Zitaten aus den anderen Sätzen wird zu einer spannenden Verflechtung des Innenlebens vorhergehender Eindrücke.
Die aus Judenburg/Steiermark gebürtige Martina Miedl begann ihr Violinstudium mit acht Jahren bei Alexandra Ruth Rappitsch und ist seit 2009 in der Förderklasse für musikalische Hochbegabungen am Konservatorium Feldkirch. Ihren künstlerischen Weg säumen bereits zahlreiche Auszeichnungen bei „Prima la Musica“ und Wettbewerben in Italien sowie internationale Auftritte mit Orchestern, u. a. als Stipendiatin der Stiftung „Musik und Jugend“ Liechtenstein. In dem mit Spannung erwarteten zweiten Teil der Matinee des Vereins „protalentum“ stellt sich Martina, ein schüchtern wirkendes junges Mädchen, als viel versprechendes Talent auf dem steilen Weg nach oben vor – eine Momentaufnahme, bei der sie mit dem gewählten Programm allerdings nicht durchwegs zu überzeugen vermag.
Gleich das erste Stück, eine ganz frühe Beethoven-Violinsonate, ist noch eine Nummer zu groß für ihr momentanes Können und überfordert sie. Martina spielt zwar korrekt die richtigen Noten, es gelingt ihr aber nicht, diese Musik auch mit Leben zu erfüllen. Permanente Intonationstrübungen und ein eher rauer Strich lassen Beethoven etwas hölzern erscheinen. So paradox es auch scheinen mag: Erst beim zweiten Werk, Wieniawskis auswendig gespielten halsbrecherischen Variationen, die technisch um ein Vielfaches schwerer, gestalterisch aber um einiges leichter sind, fühlt sich Martina wirklich wohl, kann mit einer Fülle spiel- und grifftechnischer Kniffe ihr verblüffendes junges Virtuosentum zur Schau stellen und das Publikum damit überzeugen. Dieser positive Eindruck verstärkt sich noch bei einem Stück zeitgenössischer Musik, „Subito“ von Lutoslawski. Ihre verlässliche Begleiterin am „Bösendorfer“ ist die großartige Konzertpianistin Jeanne Mikitka vom Landeskonservatorium.
Größte Hochachtung gebührt dem Verein „protalentum“ für seine Förderarbeit. Dazu gehörte freilich auch, dass man im gedruckten Programm eines Konzertes die beteiligten Künstler dem Publikum zumindest mit den wichtigsten biografischen Daten näherbringen würde. Das nächste Konzert veranstaltet der Verein an Christi Himmelfahrt, 17. Mai, 20.00 Uhr, in der Villa Grünau in Kennelbach, mit der 21-jährigen Altistin Isabel Pfefferkorn.
]]>Dvoráks als Spätwerk 1890 entstandenes düsteres Requiem in b-Moll, op. 89, steht stets etwas im Schatten seines weit populäreren, lyrisch-elegischen „Stabat Mater“. Unverdienterweise, wie wir nach dieser Aufführung meinen und wie auch Markus Landerer schon zuvor mit sicherem Spürsinn erkannt hat. Denn dieses Werk verrät in seiner Mischung aus mitreißender Dramatik und slawischer Melodienseligkeit zweifellos die Pranke des genialen Könners, der in effektvoller Instrumentierung auch die Wurzeln seiner böhmischen Heimat nicht verleugnet. Da schmettern die Hörner, schluchzen die Klarinetten mit Solosopran und Alt in Terzen um die Wette, bereiten die Streicher für manche Arie einen samtenen Teppich als „Heiligenschein“. Dazu kommt Dvoráks geheimnisvolles „Todesmotiv“, das auch der musikalisch weniger Erfahrene bald erkennt, weil es sich wie ein deutlicher, immer neu variierter roter Faden durch das gesamte Werk zieht.
Doch vor allem zu Beginn des zweiten Teiles, im „Offertorium“, „Hostias“ und „Sanctus“, gerät Dvorák ganz deutlich ins Fahrwasser des Opernhaften, mit Trompeten in strahlendem Dur, knalligen Pauken und einer geradezu überschäumenden Lebensfreude, wie sie etwa Verdis „Triumphmarsch“ aus seiner Oper „Aida“ entlehnt sein könnten. Freilich schwappt dieser Höhenflug sehr rasch wieder in die gebotene düstere Grundstimmung um, das „Agnus Dei“ als letzter Teil der Totenmesse mündet in das erneut vorgetragene „Requiem aeternam dona eis, Domine“ – „Ewige Ruhe gib ihnen, o Herr“ –, mit dem das Werk ganz verhalten eingeleitet wurde. Der Kreis hat sich geschlossen.
Bei solch emotionaler Vielfalt kann Markus Landerer aus dem Vollen schöpfen, mit seiner fast mystischen, beschwörenden Gestaltungskraft und plastischen Vorstellungsgabe all dies in voller Perfektion und höchster Konzentration abrufen, was er den Seinen zuvor in einer viermonatigen Probenzeit seit Oktober vermittelt hat. Und das ist natürlich nicht nur das Treffen der richtigen Töne, sondern vor allem die geistige Erfassung dieses Werkes in seiner Gesamtheit, mit dem Ausdruck der Schrecken des Todes ebenso wie den Tröstungen der heiligen Religion, auch seiner slawischen Tönung mit entsprechendem Vibrato. Er schärft die Diktion der Sänger, reizt ihre Dynamik zwischen Flehen und Fordern bis zum Letzten aus, verleiht ihnen in Dvoráks oft recht vertrackter Harmonik hohe Intonationssicherheit, in den Fugen die Klarheit der Linienführung. Und lässt neben der Strahlkraft des Gesamtchores auch die oft eingesetzten vierstimmigen Frauen-, bzw. Männerchöre in satter Homogenität und wunderbarer Ausdrucksvielfalt aufleuchten.
Ein international besetztes Solistenquartett aus Landerers neuem Wirkungskreis als Domkapellmeister zu St. Stephan in Wien bildet dazu in Arien und Ensembles die adäquate Entsprechung: die Wiener Sopranistin Monika Riedler, die technisch exzellent, mit Leidenschaft, Verstand und makellosen Spitzentönen brilliert, die etwas verhalten agierende deutsche Altistin Anna Haas, der Kärntner Karl Jerolitsch mit seinem klaren, höhensicheren Tenor und der Münchner Thomas Dobmaier, dessen Bass mit nobler Phrasierung und Wärme das Fundament bereitet. Alle vier gemeinsam gelangen mit ihrer Stimmpracht im bittenden „Recordare, Jesu Pie“ zu höchster Verinnerlichung. Die „Sinfonietta Vorarlberg“ aus heimischen Musikern schließlich ist erneut der kongeniale instrumentale Partner für so viel vokalen Glanz, gut besetzt in allen Registern und mit feinem Gespür für farbenreiche Zwischentöne und stimmige Balance zu Solisten und Chor.
Zweifellos ein Markstein in der noch jungen Geschichte der Chorakademie Vorarlberg, der Markus Landerer nach eigenem Bekunden auch weiterhin als allseits verehrter Dirigent treu bleiben will. Auch wenn er nach Übernahme seines Amtes in Wien im Jahre 2007 inzwischen bereits sämtliche übrigen Verpflichtungen in Vorarlberg zurückgelegt hat.
Sängerin und Bassistin Kirsty zieht von Anfang an alle Blicke auf sich. Trotz ihrer Platzierung am Rand der Bühne ist sie eindeutig das Zentrum des Geschehens – kein Wunder angesichts ihrer blonden Wallehaare, des flatternden weißen Shirts und nicht zuletzt ihrer glockenhellen Stimme. Ein zartes Wesen, das ein bisschen an Heather Nova und ganz stark an einen Engel erinnert. Ihr Instrument scheint nur unwesentlich weniger auf die Waage zu bringen als die Künstlerin selbst.
Neben ihr geht Kirstys Bruder Scott (als Nachnamen gibt übrigens jedes Bandmitglied einfach „Ashbury“ an) völlig unaufgeregt, aber eindrucksvoll seiner Arbeit nach. Ob E-Gitarre, Sitar oder Keyboard – er sorgt maßgeblich dafür, dass zum stets schwebenden Sound noch ein ausgeprägter Vorwärtsdrang dazukommt. Ihm gelingen auch abrupte Wechsel von sanftem Hall zu kreischender Gitarre mühelos und präzise. Die Bandbreite seines Spiels ist beeindruckend.
Für Drums und Percussion ist Jen zuständig, seit Kinderzeiten die beste Freundin des Geschwisterpaares. Wenn sie mit Kirsty zum zweistimmigen Gesang ansetzt und dabei eine fast hypnotische Stimmung verbreitet, ist die Assoziation zu Odysseus und den Sirenen nicht weit. Die Songs wirken wie aus einem Guss – ohne sich jedoch dabei zu wiederholen oder zu langweilen. Neben Stücken aus ihrem neuen Album „The Ashburys“ (Erscheinungstermin: 27. Februar) spielen Haight-Ashbury Material ihres Debüts „Here In The Golden Rays“. Der eine oder andere Song ist FM4-Hörern bekannt, allen voran „Freeman Town“, der etwa zur Hälfte des regulären Sets erklingt.
Auf „Everything Is Possible“, einem Titel, der den Variationsreichtum der Schotten auch textlich auf den Punkt bringt, folgt mit „Favourite Song“ ein weiterer Hit. Das Online-Portal shitessite.de erinnerte er in einer Kritik an „das Lied, von dem Schneewittchen in ihrem gläsernen Sarg träumte“. Die ehemaligen Bewohner des Stadtteils von San Francisco – benannt nach der Kreuzung von Haight Street und Ashbury Street – hätten mit Sicherheit ihre helle Freude an ihren Schwestern und ihrem Bruder im Geiste. Musiker wie Janis Joplin oder Grateful Dead hatten in den 1960er-Jahren in Haight-Ashbury ihren Wohnsitz und prägten die dortige Szene.
Mit „Sophomore“, der aktuellen Single des Trios, endet das Konzert. Zwei Zugaben, darunter eine wunderschöne Klavier-Ballade und eine finale Midtempo-Nummer, bei der Jen den Leadgesang übernimmt, runden den Abend im Conrad Sohm ab. Dann sollte der gemütliche Teil für die Künstler beginnen – vorausgesetzt, die Unterkunft spielt mit. Dass das nicht immer der Fall ist, beweist eine Twitter-Meldung der Band vom Vorabend des Dornbirner Gigs. Das Hostel in Ljubljana, der vorherigen Station ihrer Tournee, sei ein ehemaliges Gefängnis gewesen. Immer noch seien Fenster und Türen mit Gitterstäben versehen. Man darf wohl davon ausgehen, dass die Bleibe in Vorarlberg eine ungleich charmantere war.
]]>Kernstück war der langsame Satz des Klavierkonzertes. Höchst bemerkenswert entführte Lars Vogt die ZuhörerInnen in seine musikalische Welt. Der sprechende Duktus seines Spiels und die mit feinsten Nuancen modellierten leisen Passagen bewirkten eine sphärische Klangwirkung. Die Töne kamen aus dem Nichts und verflüchtigten sich auch wieder dorthin. Tonmotive sanken ab ins Leere, ein aufgewühlter Klanggrund und tremolierende Linien unterstrichen die innere Unruhe der Musik. Leichtfüßig wirkte der Finalsatz, in dem sich der Klavier- und Orchesterpart gut ausbalanciert gegenseitig ergänzten.
Die unterschiedlichen Schreibstile und kompositorischen Überzeugungen, die die Musik von Johannes Brahms und Anton Bruckner unterscheiden, kamen mit der anschließenden Deutung der dritten Symphonie von Anton Bruckner zum Ausdruck. Marc Albrecht konturierte die großen Bögen, die in sich abgeschlossenen Klangblöcke sowie die leidenschaftlichen Stimmungsbilder in einem ausgewogenen Verhältnis zueinander. Das Orchester folgte den präzisen und körperbetonten Gesten des Dirigenten gut.
In einer klar nachvollziehbaren Aufeinanderfolge entwickelten die Musiker die einzelnen Hauptthemen im Eröffnungssatz, denn Generalpausen wurden als Orientierung gebende Schlusspunkte gesetzt. Etwas langatmig wirkte das nachfolgende Adagio. Im Gegensatz dazu beeindruckte die kraftvolle und gleichzeitig elegante rhythmische Gestaltung des Scherzos. Die spitzigen Artikulationen ergaben einen federnden Duktus. Diese Charakterzüge wurden auch ins Finale weitergetragen. Besonders die spannungsgeladen eingesetzten Wechselwirkungen zwischen den Streichern und den Bläsern hinterließen einen nachhaltigen Eindruck.
]]>Ein weiteres Charakteristikum der Musik von „Quadra:tsch“ war die rhythmische Raffinesse, mit der die einzelnen Werke entwickelt wurden. So stellte sich ziemlich schnell ein unmittelbar wirkender Groove ein. Die Palette reichte dabei vom Cakewalk über einen leichtfüßigen Swing und entfachte in mehreren Stücken einen mitreißenden Drive. Rhythmische Patterns wurden variantenreich geschichtet, ineinander verzahnt und beschleunigt, gestaucht und gesteigert.
Auf ihre individuelle Weise brachten sich die vier Musiker vielgestaltig ein. Die Instrumente ergänzten sich klanglich hervorragend, sodass beste Voraussetzungen für gemeinsame Improvisationen bestanden. Die Kehrseite war, dass die Musik im Laufe des Konzertes mitunter auch etwas gleichförmige Züge annahm.
Jedenfalls bot „Quadrat:sch“ ein unterhaltsames Programm mit vielen überraschenden Klangwirkungen sowie virtuos dargebotenen musikalischen Tongebilden. Selbstverständlich stammten alle Stücke von Christof Dienz und Gunter Schneider. Besonders in Erinnerung blieben der „Knochentanz“ und der „Dis-Tanz“ mit seinem feinsinnigen Humor. Die Anklänge an den Boogie in der „Küchenschabe“. Die ineinander geschobenen Rhythmen in „Treiben“ sowie die außergewöhnlichen Sounds in „3 3 2“.
Dem Motto der Konzertreihe „Traditions reloaded“ machte das Tiroler Ensemble „Quadrat:sch“ alle Ehre.
„Gitarren, Schlagzeug und Gesang“; nicht mehr und nicht weniger versprechen die jungen Musiker. Und sie bleiben diesem Purismus von Anfang an treu. Von einem Einspieler zu Beginn abgesehen – ein kurzer gesprochener Text über Rehe und Jäger, der in ein Halali mündet –, verzichten sie auf eine Bühnenshow oder andere Elemente, die von den Songs ablenken könnten. Auch mit Moderationen gehen sie zunächst sehr sparsam um, vielleicht auch wegen der doch unerwartet großen Nervosität, wie Hepberger später einräumt. Dafür spielen alle vier sehr auf den Punkt, auch der zweite Gitarrist Thomas Schedler sowie Christoph Hofer an den Drums. Einen von ihnen hervorzuheben, fällt schwer: So homogen ist ihr Auftritt.
Der Anfang ist gelungen: „Kommt herein“, singt Hepberger hingebungsvoll im ersten Stück des Abends, „hört gut her“, lockt er weiter. Er versteht sich auf sein Handwerk, verbindet rotzige Gitarrenriffs mit eingängigen Melodien und wechselt immer wieder gekonnt das Tempo. Der spätere Hinweis, jetzt folge ein Lied für die Frauen, lässt eine Ballade erwarten – zumal das Stück „Ohne Dich“ heißt. Der eine oder andere Zuhörer könnte hier auch eine Coverversion des gleichnamigen Selig-Hits erwarten. Doch falsch: Die Band bleibt bei eigenem Material und dem eigenen, weiterhin rockigen Sound.
„Eine druckvolle Krach-Maschine“ war laut Ankündigungstext zu erwarten. Dieses Versprechen lösen sie ein, der Lautstärkepegel ist beachtlich. Leider geht in diesem Gitarrengewitter mit der Zeit etwas die Abwechslung verloren. Im Mittelteil verschwimmen die Songs zusehends, heben sich nur noch wenig voneinander ab. Gegen Ende des rund 75-minütigen Auftritts steigert sich die Band wieder, zum Beispiel mit dem letzten Song des regulären Sets, das dem legendären Actionhelden Chuck Norris gewidmet ist. Ein Lächeln und ein wissendes leichtes Kopfnicken huschen durch das Publikum. Zur ersten Zugabe betritt Hepberger allein mit der Akustikgitarre die Bühne – der erste Unplugged-Titel dieses Abends, dem noch weitere ruhige Töne dieser Art gutgetan hätten. Doch das Fazit des Konzerts bleibt positiv.
Gerade einmal vierzehn Monate in dieser Besetzung liegen nun hinter Reh, der erste gemeinsame Gig lässt für die Zukunft hoffen. Dass sie mit Herausforderungen und überraschenden Wendungen gut umgehen können, haben sie bewiesen. „Die Texte waren ursprünglich auf Englisch, erst vor zwei Monaten haben wir sie auf Deutsch umgeschrieben“; erzählt Belej lachend. Und Hepberger ergänzt: „Als wir uns für den Namen Reh entschieden haben, kam es mir irgendwie seltsam vor, nicht auf Deutsch zu singen. Allerdings hat es mich ziemlich viel Überwindung gekostet, alle Texte so verständlich zu machen. Es hat sich aber schon nach kurzer Zeit richtig angefühlt.“
Wie geht es nach diesem gelungenen Start mit der Band weiter? „Wir haben genügend Songs für ein Album oder eine EP vorbereitet und wollen das unbedingt noch dieses Jahr in Angriff nehmen. Mit Teddy Maier und den Tonzoo Studios haben wir die perfekte Umgebung, in der wir uns schon auf dieses Konzert vorbereiten konnten“, sagt Hepberger. „Wir wollen auf jeden Fall ein Album machen, dass genau so ehrlich und kantig klingt wie wir das live tun. Und es gilt dieselbe Regel: Gitarren, Schlagzeug und Gesang. Basta!“
]]>Somit sind nun ein guter Teil der neuen Musik einfach Ausschnitte aus bekannten klassischen Opern, „O mio babbino caro“ etwa aus „Gianni Schicchi“ von Puccini, eine Arie aus „Faust“ von Gounod, die „Habanera“ aus Bizets „Carmen“, aber auch die „Tritsch-Tratsch“-Polka von Johann Strauß. An sich gar keine so schlechte Idee, deren Ergebnis in bisher rund 300 Vorstellungen im deutschen Sprachraum gezeigt worden ist.
Dagegen sind die überwiegend neu dazu komponierten Teile des deutschen Duos Gerd Köthe/Roland Heck von unsäglicher Flachheit und Trivialität. Sie hecheln im Fahrwasser Webbers dem großen Original hinterher, ohne dieses jemals auch nur ansatzweise zu erreichen, und kommen dabei bestenfalls auf das Niveau von Dieter Bohlens „Modern Talking“-Popsongs. Insofern kann man dieses Konzept als gescheitert betrachten. Einzig die witzig eingestreuten Klassik-Zitate, zaghafte Versuche einer personenbezogenen Leitmotivik mildern etwas den oft quälenden Eindruck während geschlagener zweieinhalb Stunden – auch die Tatsache, dass die Ausstattung mit prächtigen historischen Kostümen, vielen Zwischenvorhängen samt verblüffender Lichteffekte und Videoprojektionen (inklusive des in den Ballsaal stürzenden Deckenlüsters) und einer satten Portion wabernden Bühnennebels für eine Tourneebühne geradezu opulent ausfällt. Gesungen und getanzt wird von dem 16-köpfigen Ensemble auf ansprechendem Niveau, allerdings technisch verstärkt.
Dass Deborah Sasson als Erfinderin dieses Konzepts sich selbst zum Star dieser Aufführung macht, ist legitim. Es bedarf freilich einer größeren Portion Fantasie, sich diese gestandene Operndiva als junge Chorsängerin Christine Daaé vorzustellen, wie sie die weibliche Hauptrolle eigentlich verlangt. Mit ihren 51 Jahren ist die Künstlerin auch etwa gleich alt wie ihre überzogen parodierte Bühnenkonkurrentin Carlotta (Rita Anton) und damit auch als deren Einspringerin fehlbesetzt. Auch stimmlich will Sasson mit ihrer stark tremolierenden Opernstimme nicht so recht ins Ensemble passen, das mit dem ansprechenden Bariton von Axel Olzinger als Phantom und dem wendigen Tenor von Jochen Sautter als Liebhaber Raoul gut bestückt ist. Sautter sorgt im Übrigen auch für eine durchaus temporeiche Regie und einfallsreich choreographierte Einlagen. Ein 18-köpfiges Orchester, besetzt zwischen Rockband und Mini-Symphonieorchester, müht sich im Graben nach Kräften. Alles live, nichts kommt aus der Steckdose.
Stimmung brandet erst nach dem finalen Trinklied im Dreivierteltakt auf – und das ist von Verdi aus seiner Oper „La Traviata“. Den meisten Applaus erhält freilich nicht Deborah Sasson als Star der Produktion, sondern Nils Schwarzenberg, der sich als schwuler Operndirektor durch den Abend blödelt.
Dem Werk „Carpe Noctem“ liegt die dramaturgische Idee einer (Seelen-)Wanderung „vom Dunkel zum Licht“ zugrunde. Dieses Sujet diente bereits zahlreichen Komponisten als Ausgangspunkt. Deshalb war die Frage spannend, welchen Zugang Johannes Berauer gewählt und ausgearbeitet hat. Präsentiert wurde eine dichte, gut proportionierte Komposition, die den ZuhörerInnen Freiraum für eigene Interpretationen ermöglichte. Anklänge an berühmte musikalische Persönlichkeiten wie Carl Orff, Philipp Glass oder Jan Garbarek waren zwar vernehmbar, doch nie wirkte der musikalische Erzählfluss imitierend oder plakativ.
Die emotionalen Grundstimmungen der einzelnen Stationen während der Performance wurden durch das farbenreiche Lichtdesign von Thomas Bischofsberger und Josef Madlener unterstrichen. In elf Abschnitten boten der gut disponierte Kammerchor „Vocale Neuburg“ (Einstudierung: Oskar Egle) und das ausdrucksstark agierende Jazzorchester Vorarlberg unter der Gesamtleitung des Komponisten Johannes Berauer eine Reise in das innere Erleben eines imaginierten Protagonisten.
Der archaische Tonaufbau am Beginn und der Einzug der ChorsängerInnen verstärkten die sakrale Stimmung und hüllten den Kirchenraum in ein in sich kreisendes Klanggewebe. Im Wechselspiel zwischen Saxophon und Trompete (Martin Franz und Martin Eberle) mit Imitationen, Hall- und Echowirkungen entwickelte sich die Musik langsam und vorerst ziellos. Aufhorchen ließen originelle Tonkonstellationen, die beispielsweise ein ständiges Absinken implizierten.
Instrumentale Abschnitte boten Ruhepole, die das JOV transparent und mit einem gut aufeinander abgestimmten Klang spielte. Die wirklich dunklen Seiten der Nacht wurden in motorischen Abschnitten mit kurzen rhythmischen Motivketten und kantig deklamierten Texten ausgeformt. Doch eine feierliche und in sich verinnerlichte Grundstimmung war vorherrschend. Dafür fand Johannes Berauer schöne Klangkonstellationen. Raumgreifend wirkten die mit Dämpfer und viel Geräuschanteilen gespielten Passagen sowie Zischlaute. Diese schufen einen spannenden Übergang zum heller werdenden musikalischen Verlauf. An den Seitenwänden postierte SängerInnen nahmen das Publikum in die Mitte und hüllten es in eine beeindruckende Klangwolke, in der vor allem die Obertongesänge zur Geltung kamen. Zum Schluss hin wurde das Werk hymnisch gesteigert.
]]>Auch Elvis Presley ist vor ihnen nicht sicher: Die leicht chaotische Uptempo-Variante von „Suspicious Minds” stellt das getragene Original locker in der Schatten und sorgt nebenbei dafür, dass sich die ersten Tänzer vor die Bühne wagen. Nicht jede Pointe in den Moderationen zündet, aber was soll´s? Im Zweifel wird der Witz unter der nächsten Lärmwand begraben. Mangelnder Einsatz ist auf jeden Fall das Letzte, was man den Musikern an diesem Abend vorwerfen kann. Nach 45 Minuten und dem Titel „Can I take my gun up to heaven?” verlassen sie die Bühne.
In der Zwischenzeit hat sich die Spielbodenkantine sehr gut gefüllt. Im bunt gemischten Publikum findet sich auch ein junger Mann mit üppigen Tattoos und einem T-Shirt, das den markigen Spruch trägt: „Wreck your life, this is hell". Das Grapefruit-Radler in seiner Hand relativiert aber gleich diese auf hart getrimmte Optik. Irgendwie symptomatisch auch für das folgende Programm: Zwar wirkt der John Peel Club, allem voran Sänger Karel, wie besessen von den Punksongs der späten siebziger Jahre, die sie mit roher Energie covern. Andererseits entsteht nie eine aggressive Stimmung, die zu (eigentlich standesgemäßen) heftigem Pogo-Tanzen ausartet. Sie wollen nur spielen.
Und sie beherrschen ihr Handwerkszeug. Das ist im Punk keine Selbstverständlichkeit. Bei den Toten Hosen geht die Legende, dass ganz am Anfang die Zuteilung der Instrumente ausgewürfelt wurde. Sid Vicious, 1979 gestorbenes Mitglied der Sex Pistols, betrachten nur die wenigsten als begnadeten Bassisten. Virtuosität ist entsprechend keine zwingende Kategorie, um Punk zu beschreiben. Einsatz hingegen schon: Karel ist vom ersten Takt voll da, spielt Luftgitarre, verzieht das Gesicht zu einer Mick-Jagger-Schnute – das komplette Programm. Dass der Bass etwas arg wummert, fällt nicht ins Gewicht. Ein beispielhafter Höhepunkt ist Iggy Pops „Danger little stranger”. Je länger die Show dauert, desto ausgeprägter wird das Posing der Gitarristen Floyd und Hubi Guitar. Lediglich Tex verharrt an seinem Hardwood-Bass in stoischer Ruhe. Damit ist er aber der Einzige.
Beim Namen der Band stand ein britischer Radio-Moderator Pate, der von 1967 bis zu seinem Tod 2004 für BBC Radio 1 arbeitete. Seinen Ruf als Legende erwarb sich John Peel, indem er in seinen Sendungen ein außergewöhnlich vielfältiges Programm spielte: von Rock, Metal über Techno bis zu Folklore und afrikanischer Musik. Auf diese Weise förderte er Künstler wie The Clash, Joy Division, The Cure, PJ Harvey oder auch The White Stripes. Somit war der Auftritt einer Band dieses Namens ein würdiger Abschluss der Neujahrskonzerte am Spielboden, der sich ebenso darauf versteht, jungen Bands und ungewöhnlichen Sounds eine Chance, ein Forum zu bieten.
In puncto Lautstärke macht der John Peel Club nahtlos dort weiter, wo Burning Rosettas aufgehört haben: Diese satte Portion Krach lässt die Ohren noch ein Weilchen fiepen. Aber egal, das ist diese druckvolle Show allemal wert. Die erste, stürmisch bejubelte Zugabe stammt im Original von den Ramones: „Sheila is a punk rocker”. Der John Peel Club ist es auch.
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