Zu den Ursprüngen des Ende der 50er/Anfang 60er Jahre entstandenen Butoh gibt es verschiedene Theorien: man sieht ihn als radikale Ablehnung gleichermaßen der japanischen wie der westlichen Tanztradition, als Reaktion auf Hiroshima und Nagasaki, als künstlerische Ausdrucksform der antiamerikanischen Protestbewegung jener Zeit, aber auch als Kampfansage gegen die vom aufkeimenden Big Business diktierten Tendenzen in der japanischen Gesellschaft. Butho war in Japan jahrzehntelang eine Underground-Bewegung, und dass er bis heute an Radikalität nichts verloren hat, stellt Ko Murobushi eindrucksvoll unter Beweis.
In einen dunklen Anzug gehüllt, das Gesicht mit Bandagen verbunden, erscheint er wie ein Zwischending aus Mumie und Zombie oder ein aus einem Friedrich Murnau-Film entsprungenes Monster – tatsächlich schöpft Butho ja auch aus dem Vokabular des deutschen Expressionismus und auch Antonin Artauds „Theater der Grausamkeit“ kommt einem in den Sinn. Schnell ist klar, dass hier keine Geschichte erzählt wird, Ko Murobushi geht es nicht um die Darstellung des Seins, sondern um das Sein selber. Den Großteil der fünfzig Minuten dauernden Performance bestreitet er dann fast nackt, den Körper und das Gesicht ganz in Silber getaucht. Er reduziert alles auf das Existenzielle, stülpt sein Innerstes nach außen, manchmal in schmerzhaften Aktionen. Er schlägt den Kopf auf den Boden, dass man es krachen hört, oder gegen eine große Blechplatte. Hier kommen Wut und Aggressionen durch, aber wirklich an die Nieren gehen diese unendliche Hilflosigkeit, dieses ständige Zittern, die schmerzhaften Verrenkungen und vergeblichen Versuche, auf die Beine zu kommen. Hier windet sich einer, dessen Schicksal schon besiegelt, dem der Tod gewiss ist, da kann er sich aufbäumen, wie er will.
Aber „quick silver“ ist keine Performance, die man sich einfach so anschaut, geschweige denn, die man genießt. Ko Murobushi eröffnet mit seiner kompromisslosen, äußerst expressiven und kraftraubenden Kunst unendliche Denkräume und Assoziationsfelder in den Köpfen der Zuschauer. Bilder der eigenen Ängste und Unzulänglichkeiten, des Getrieben-Seins und Sich-Aufbäumens, des zehrenden Lebenskampfes mit unzweifelhaftem Ausgang flackern auf. Hier wird einem nichts geschenkt – außer einem erhellenden Einblick in die dunkle Seite des Daseins, die faszinierend ist, die man aber dennoch lieber wieder ganz schnell in den hintersten Winkel des Bewusstseins drängt oder besser gleich ins Unbewusste. „Tanz der Finsternis“ lautet die gängige Übersetzung für Butoh – wie wahr! Diese Urgewalt ist das pure Gegenteil von Illusion oder Ästhetik. Naturgeräusche statt Musik, einfachste aber wirkungsvolle Bühnenelemente und Beleuchtung. Hier lenkt nichts ab beim Blick auf Ko Murobushi – und auf sich selbst. Der frenetische Applaus am Ende bewies, dass sich die BesucherInnen der Einzigartigkeit dieses Erlebnisses bewusst waren.
Veranstaltungstipp: Heute Samstag, 15.6., 20.30 Uhr, ist diese grandiose Performance von Ko Murobushi nochmals am Spielboden Dornbirn zu sehen. www.spielboden.at
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Mit „Misu“ sorgt die japanische Künstlerin AIKO Kazuko Kurosaki draußen im Hof für einen sinnlichen Auftakt des diesjährigen Festivals. Sie taucht ins Jetzt ein und erweckt mit ihrer Installation die Neugierde des Zuschauers auf ihr Stück „Nettó – kochendes Wasser“, das kommenden Mittwoch in Dornbirn zu sehen sein wird. Man möchte fast meinen, dass Kurosaki mit ihren schlichten japanischen Schuhen, dem schwarzweißen Gewand, dem umgedrehten Reiskorb auf dem Kopf und der gekoppelten Musik aus melodischen Klängen in eine Sphäre jenseits der Zeit eintaucht. Sie führt den Zuschauer von außen nach innen, und auf diesem Weg macht sich eine angenehme Ruhe breit, die den Augenblick an erste Stelle rückt. Hinter sich zieht die zeitgenössische Tänzerin ein großes Gefäß mit Wasser, in dem eine lange Glaspipette ruht; die Durchsichtigkeit lässt auf die Flüchtigkeit und Zerbrechlichkeit des Moments schließen. Wasser als Lebenselixier, doch zu Zeiten des Überflusses und des gegenwärtigen Hochwassers erinnert es viel mehr an den verschwenderischen Umgang damit und regt zum Nachdenken an. Kurosaki setzt das Element Wasser auf liebliche Weise in Szene und löst einen Fluss von Gedanken und Berührungen aus: das Leben als Daseinsform eines stetigen Wandels!
Hiroaki Umeda, ein Mensch mit vielen Begabungen, die in zwei ähnlichen, aber exzellenten Stücken zum Vorschein gekommen sind, ist trotz seiner Reduktion und Abstraktheit sehr ausdrucksstark und von fesselnder Berührung.
„Duo“ ist gezeichnet durch Mensch und Technik. Eine weiße Wand, zwei Individuen: Umeda als Mensch zum Angreifen und keine zwei Meter neben ihm seine Technologie-Version auf der Leinwand. Sie beginnen gemeinsam, synchron. Von einem gleichmäßigen Puls ausgehend, zersplittert er sich allmählich. Sound und Körper – zu Beginn noch aufeinander abgestimmt – finden ihre Unterschiedlichkeit nach und nach in Stopps und zeitversetzten Bewegungen. Auch durch Umedas schwarzes Kostüm, die weiße Fläche und seinen Schatten – der fast schon als 3. Figur mitagiert – entsteht ein Kontrast. Die Gegensätzlichkeit dieser zwei Individuen wird klar, und doch finden sie im darauffolgenden Moment wieder zueinander. Dadurch entsteht ein Irritationsmoment, der die Sinne des Zuschauers aktiviert und ihn mit gebanntem Auge dem Darsteller folgen lässt. Die Auflösung sowie die Verbindung von Mensch und Technologie stehen im Raum. Das Rauschen in den Klängen erzeugt Assoziationen von einer Flut und wirkt in gleicher Weise bedrohlich wie unscheinbar.
Hiroaki Umeda, der sich als Tänzer und Choreograph in „Duo“ dazu entschieden hat, mit seiner expressiven Bewegungssprache an ein und derselben Stelle im Raum zu bleiben, wirkt umso eindrücklicher, als am Ende auf der Leinwand ein Mann hereinspaziert, den Applaus entgegennimmt und seinerseits die Zuschauer und die Technik beklatscht. An die Stelle des Menschen tritt die Technologie.
Umeda rückt im Vergleich zu „Duo“ weiter in den Raum vor. Das Bühnenbild, bestehend aus einer weißen Projektionsfläche und dem schwarz gekleideten Tänzer, scheint fast ident. Er steht auf einer Linie in der Mitte der Bühne, die zwei separaten Räume von vorher scheinen sich zu verbinden. Die Bühne ist dunkel. Von einem dumpfen Klangteppich getragen, bewegt sich Hiroaki mit geschlossenen Augen zu den leisen, aber doch fesselnden Tönen. Langsam dringt Licht von vorne ein, es folgt ein plötzlicher Ausbruch des Sounds. Die Visuals an der Projektionsfläche bilden abstrakte Räume aus Toren und Gassen. Der Tänzer steht in einem Feld, das mit ihm interagiert. Kurz erscheint der Gedanke, ob er wohl durch ein Portal in eine andere Sphäre gesogen würde. Die Bewegungen, Sounds und Visuals verdichten sich, werden schneller, intensiver, impulsiver und münden in einer Beschleunigung, die an einem gewissen Punkt nur noch in der Reduktion der Bewegung enden kann. Vom Stroboskoplicht getragen, den Augen einen Flash versetzend, bilden Figur, Linie und Position diverse Schichten und kumulieren zu einem Ganzen. An der Wand taucht nun die Farbe Blau auf, und Hiroaki Umeda steht plötzlich in einem blauen Rechteck am Boden. Der blaue Planet? Das Wasser? Das Ende mündet in den Anfang und somit in einen ewigen Kreislauf.
„Tanz ist“-Programm im Spielboden Dornbirn:
Samstag, 8. Juni:
19.45 Uhr AIKO Kazuko Kurosaki: Misu – Opening
20.30 Uhr HIROAKI UMEDA: Duo & While going to a condition
Dienstag, 11. Juni, 20.30 Uhr
Running Sushi, Tanz-Film
Mittwoch, 12. Juni, 20.30 Uhr:
AIKO Kazuko Kurosaki: Nettó – Kochendes Wasser
Donnerstag, 13. Juni, 19 Uhr:
Butoh-Abend mit KO Murobushi – Tanz-Workshop
Freitag 14. & Samstag, 15. Juni, 20.30 Uhr
KO Murobushi: Quicksilver
Infos & Karten: Tel. 05572 21933, spielboden@spielboden.at
www.spielboden.at
„Skinners“ ist ein extrem puristisches Tanzereignis, das von einem bühnenhohen, blütenweißen, mitunter im Wind wehenden Vorhang abgesehen auf große Bühnenbildeffekte oder überbordendes Lightdesign verzichtete und sich gänzlich auf die Akteure verließ: der Ton und die Bewegung, das war’s im Wesentlichen. Manchmal vielleicht etwas spröde, letztlich aber auch sehr beeindruckend, weil extrem auf das Wesentliche fokussiert, ohne jegliches behübschendes Beiwerk.
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Mourad Merzouki liebt es, Gegensätze zusammen zu bringen, sowohl von den Ethnien als auch von den Tanzstilen her. So kombinierte er schon höchst erfolgreich Breakdance mit klassischem Tanz oder mit der brasilianischen Kampfkunst Capoeira – und nun lässt er fünf Akteure seiner Compagnie Käfig auf fünf taiwanesische TänzerInnen treffen. Das faszinierende an dieser unkonventionellen Stilmischung ist die Nahtlosigkeit und Selbstverständlichkeit, mit der die unterschiedlichsten Ingredienzien nebeneinander stehen und ineinander übergehen. Klassische Virtuosität, taiwanesische Tradition und die knackige akrobatische Frische des Breakdance stehen einander nicht diametral gegenüber, sondern ergänzen sich und potenzieren sich in ihren Wirkungen. Diese so noch nie gesehenen Kombinationen kommen völlig klischeefrei daher und verblüffen mitunter wie neue Vokabeln einer noch weiter zu erforschenden Tanzsprache. Vom unkonventionellen Pas de deux zu mitreißenden Ensemble-Partien, von elektrisierenden tänzerischen Eruptionen zu lyrisch verhaltenen Traumsequenzen – „Yo Gee Ti“ bezaubert in jeglicher Hinsicht. Selbst der Humor hat seinen Platz, wenn Mourad Merzouki ausgerechnet die kleinste Chinesin auf den größten Breakdancer treffen lässt – einen wesentlichen Teil ihres tänzerischen Dialog bestreiten sie mittels einer ausgefeilten Choreographie für Arme und Hände.
Aber auch die vom chinesischen Designer und Bühnenbildner Johan Ku entworfenen hängenden Skulpturen aus Rohwolle und die bühnenbreiten Wollstrick-Kaskaden sind weit mehr als bloße Dekoration. Sie liefern einen unglaublich variationsreichen Spielplatz der Phantasien und erzielen im Zusammenspiel mit Lichtdesign und Kostümen zauberhafte Wirkungen. Die emotionsgeladene Musik aus den Federn von Ludovico Einaudi, Marc Mellits und des Trio Joubran trägt gleichfalls einen wesentlichen Anteil zum genialen Meisterwerk bei.
Interessant wäre es noch zu erfahren, ob solch ein umwerfender Abend, der mit stehenden Ovationen endet, auch zu einem vermehrten Interesse des „Bregenzer Frühling“-Bildungsbürgertums für Backspins, Head Spins, Airflares, Windmills oder Freezes führt und sie einen Euro in die Snapback Cap werfen lässt, wenn sie ein paar Jungs in den Seeanlagen performen sehen. Oder braucht der Streetdance zur breiten Anerkennung doch die Adelung durch die geheiligten Hallen eines Festspielhauses?
In einem kurzweiligen Rückblick stellte Romeo Meyer mit Hilfe von großflächigen Projektionen die wichtigsten Choreografen und ihre Produktionen seit dem Jahr 1900 vor. Die markantesten Neuerungen wurden jeweils live von den Tänzerinnen Claudia Grava, Pascale Staudenbauer und Aleksandra Vohl vorgeführt. Zu sehen waren Isodora Duncan (grandios majestätisch: Claudia Grava) mit ihren ausladenden Schritten und den Posen, die den Tanz zur religiösen Kunst erhoben. Aus Russland kam der revolutionäre Sergej Diaghilew, der zu den Werken von Debussy, Ravel oder Strawinsky tanzen ließ, dem Matisse und Picasso Kostüme und Bühnenbilder lieferten. Typisches Beispiel: „Der Nachmittag eines Fauns“ – hervorragend getanzt von Aleksandra Vohl, bei dem das Kostüm zum Körper wurde.
In den 30er-Jahren lieferte der Deutsche Kurt Joos spannende Neuerungen wie die Choreografie „Der grüne Tisch“, die von den drei Tänzerinnen und dem Schauspieler eindrücklich vorgestellt wurde. Dazu rauschte die Musik von Fritz Cohen, als käme sie von einer alten Schallplatte. Die Amerikanerin Martha Graham wurde liebevoll karikiert mit ihrer Forderung: „be realllll“, ihr Schüler Merce Cunningham vorgestellt mit seiner Improvisationskunst – bis dann die Rolling Stones donnerten: „I can´t get no satisfaction“. Die 60er-Jahre waren angebrochen, alles Bisherige wurde gesprengt. Aus dieser neuen Freiheit heraus kamen Pina Bausch und Anne Teresa De Keersmaeker.
Von da an übernahmen die drei Tänzerinnen die Regie und zeigten, von welchem Choreografen sie Fan sind und warum. Da ging die Post so richtig ab. Ob bei der „Allee der Kosmonauten“ von Sasha Waltz, „Self Unfinished“ des Molekularbiologen Xavier Le Roy, der den Tanz wahrhaft auf den Kopf stellte, hinreißend interpretiert von Pascale Staudenbauer, oder beim unendlichen Hinfallen (Falling in love) von Dave St-Pierre – an diesem Abend allerdings nicht nackt getanzt! Der zeitgenössische Tanz war plötzlich das Normalste der Welt und zeigte keine Anzeichen von Schwierigkeiten. Auch nicht beim Publikum, das begeistert war. Es hatte den Generalschlüssel für diese Kunstsparte erhalten und hätte diesen „FANS“ noch lange zuschauen mögen!
Weitere Aufführungen von „FANS“:
31.01.2013, 10.00 Uhr, TAK Schaan (FL) | Schulaufführung
15.02.2013, 10.30 Uhr, Pförtnerhaus Feldkirch | Schulaufführung
15.02.2013, 19.30 Uhr, Pförtnerhaus Feldkirch
23.02.2013, 19.30 Uhr, Kulturhaus Dornbirn
Vorplatz, Eingangsbereich, Foyer, Probesaal, Galerie, Kino und natürlich großer Saal – das Spielboden-Areal ist großflächig zur Spielwiese geworden, die man sich erwandern muss. Skurrile Spaghettiblumen, mit Agar-Agar renaturalisierte Betonwände und Glasflächen, wuchernde Pilzlandschaften, stetig wachsende und vom Wind wieder verblasene Schaumskulpturen – der Spaziergang wird schnell zur Entdeckungsreise ins Ungewisse, bei der buchstäblich hinter jeder Ecke eine neue Überraschung wartet. Rasch nimmt das Ganze (alb)traumhafte, archaische Züge an, denn der „Perfect Garden“ ist wie das Leben selber – vom Samen zum eben erst sprießenden Keimling, von der perfekten Daseinsform zu den ersten Alterungserscheinungen, vom Tod bis zur Verwesung. In Blazys Objekten spannt sich dieser Bogen von phantastischen, mit Linsenkeimlingen bedeckten „Meteoriten“ bis zur verwesenden Melonenhälfte, die live gefilmt und auf Kinoleinwanddimension vergrößert, offenbart, was normalerweise im Verborgenen bleibt, dass sie nämlich gerade in diesem Fäulniszustand neues Leben gebiert. In dieser Hinsicht unterscheidet sich die Melone oder der Broccoli wenig vom Menschen. Im KULTUR-Interview (Juni 2012) meinte Chris Haring im Vorfeld noch, „der Garten liegt irgendwo zwischen dem Kurort Oberlaa und dem ‚Garten der Lüste’ von Hieronymus Bosch“ – mittlerweile hat sich der Schwerpunkt wohl klar auf Letzteres verschoben.
Die Tänzerinnen und Tänzer faszinieren erst einmal solistisch und in kleinen Gruppen über die Räumlichkeiten verteilt und finden sich zum großen Finale im Großen Saal ein. Musik im herkömmlichen Sinn ist eher die Ausnahme, stattdessen werden babylonisches Sprachengewirr, absurde Gesprächsfetzen, Schreie, Jammern und das ganze restliche Arsenal an menschlichen Lautäußerungen gesampelt, verfremdet und in Endlosloops über die Lautsprecher gejagt. Dieser originelle Soundtrack verlangt natürlich auch nach dementsprechend unkonventionellen Bewegungsmustern, die den Tänzerinnen und Tänzern mit verblüffender Leichtigkeit gelingen. Da knarren sich in der Umarmung wiegende Paare wie trockenes Holz, werden unverständliche Redeschwälle politischer Sonntagsredner gleich ins Publikum geschleudert und kurz einmal scheinen sogar paradiesische Zustände möglich zu sein. Im Finale finden sich dann alle im riesigen, transparenten Kubus in einem Dschungel aus Klebefäden wieder, mit denen sie mal zu kämpfen haben, die aber auch zur spielerischen tänzerischen Auseinandersetzung einzuladen scheinen. Der Mensch im Wirrwarr der für ihn nicht durchschaubaren Lebensfäden, wobei durch die Aufhebung jeglicher Grenze zwischen Publikums- und Bühnenbereich bloßes Zuschauen und Konsumieren kaum mehr möglich ist. Man ist mitten drin im „Perfect Garden“, der Zeit und Raum und die Vergänglichkeit aller Dinge auf spannende und augenscheinliche Weise demonstriert. Ein Erlebnis, das weit über eine übliche Tanzperformance hinausgeht.
Es gibt nur noch eine Aufführung:
Samstag, 9.6., 20.30 UhrSpielboden Dornbirn
www.spielboden.at www.tanzist.at
Wer das versäumt, versäumt viel!
Eine riesige, rechteckige, weiße, mit Leuchtpunkten übersäte Lichtinstallation dominiert die ansonsten leere Bühne. Das Gehirn, die Schaltzentrale der Produktion? Jedenfalls gibt sie mit ihren exakten Leuchtmustern Stimmungen und Tempi vor. Weiß man um McGregors Interesse und aktive Teilnahme an der Erforschung kognitiver Prozesse und an der wissenschaftlichen Untersuchung künstlerischer Bewegungsabläufe, so eröffnet die Lichtinstallation Assoziationen zu Hirnströmungen, Nervenbahnen, Reizwahrnehmungen, Gedankenblitzen, Impulsen aller Art. Die passende Musik zu diesem etwas unterkühlt wirkenden technoiden Spektakel liefert der dreißigjährige in Australien geborene und in Island lebende Komponist, Musiker und einflussreiche Musikproduzent Ben Frost, der in der elektronischen Musikszene in etwas denselben Kultstatus genießt wie Wayne McGregor auf den Tanzböden dieser Welt. Nur selten setzt Frost Frauenstimmen im konventionellen Sinn ein, zumeist erfüllt er die Szenerie mit minimalistischen, noisigen Musikfragmenten, die sich in ihrer Intensität durchaus in unangenehme Hörbereiche steigern können.
Ein ideales Umfeld für die zehn Tänzerinnen und Tänzer, um solo, im Duo oder in kleineren Tanzformationen jenes Bewegungsvokabular auszubreiten, für das McGregor berühmt geworden ist. Die einzelnen Körperteile scheinen völlig ungewohnten Bewegungsmustern zu gehorchen: Verblüffende Verrenkungen, irrwitzige Verdrehungen und Verzerrungen verlangen von allen Akteuren eine perfekte, mitunter akrobatische Körperbeherrschung. Hightech also nicht nur bei Sound und Bühnenbild, sondern auch im Tanz. Man staunt und möchte vielleicht mehr über Wayne McGregors Forschungen erfahren, auf der Gefühlsebene kommt „FAR“ aber nicht wirklich an. Will es vermutlich auch gar nicht.
Beeindruckend ist auch, wie die Spanierin und und der marokkanisch-stämmige Flame in die Tanzwelt ihres Gegenübers eintauchen und aus diesen Erfahrungen tänzerischen Gewinn ziehen, Bewegungsvokabular austauschen und sich behutsam auf neue Experimente einlassen, ohne jedoch die eigenen Grundhaltungen aufzugeben. Unglaublich wie stimmig und geschmackssicher sich da zeitgenössischer Tanz und Flamenco wechselseitig inspirieren. Wesentlichen Anteil an diesem stimmungsvollen Abend haben auch der polnische Komponist Szymon Brzoska und der spanische Musiker Rubén Lebaniegos, die mit einer Mischung aus Flamenco, klassisch anmutender und arabischer Musik für den perfekten Soundtrack sorgten. Live perfekt dargeboten von Barbara Drzkowska (Klavier), Ana Ramón (Gesang), El Arabi-Serghini (Gesang) Fyty Carillo (Gitarre), David Moniz (Violine) und Chema Uriarte (Perkussion) hätte man mit diesen Stücken durchaus auch einen passablen Konzertabend bestreiten können.
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Silas Henriksen, Parvaneh Scharafali und Medhi Walerski sind die hervorragenden Solisten der 2009 uraufgeführten 25 Minuten-Produktion „Sehnsucht“. Zu dramatisch bewegenden Klängen aus Beethovens Klavierkonzerten Nr. 3 und 4 und aus seiner 5. Sinfonie lassen Lightfoot/León getanzte Bilder zur Liebe und zu deren Vergänglichkeit entstehen, die vor allem durch das außergewöhnliche Bühnenbild an Eindrücklichkeit gewinnen. Ein Paar bewegt sich in einem über dem Bühnenboden aufgehängten langsam rotierenden, als kleines Wohnzimmer eingerichteten Würfel und kommuniziert manchmal mit einem außerhalb dieses Würfels tanzenden Mann. Es entstehen eindrucksvolle Bilder von Nähe, aber auch des Auseinanderdriftens. Manchmal erinnert der rotierende Würfel an ein Hamsterrad, in dem die Akteure gefangen sind, klaustrophobische Gefühle kommen hoch, das breite Spektrum an Emotionen wird in dieser wortwörtlich genommenen Beziehungskiste eindrucksvoll ins Bild gesetzt. Und wenn durch die Drehung des Zimmers buchstäblich „schräge“ Perspektiven entstehen, entfernen sich auch die Bewegungen der Akteure immer weiter vom klassischen Bewegungsrepertoire und gewinnen zunehmend an Schrägheit. Manchmal ist auch akrobatisches Geschick gefragt, wenn das Zimmer und die Gefühlswelt sozusagen auf dem Kopf stehen und es darum geht, sich trotz aller Freiheitssuche gegenseitig zu stützen, um nicht auch noch den letzten Halt zu verlieren.
Für die 2010 entstandene Produktion „Schmetterling“ ließen sich Lightfoot/León von der tragischen Geschichte ihres Solisten Medhi Walerski inspirieren, der vor der Uraufführung ein Sabbatical einlegte, um seine todkranke Mutter in ihrem letzten Lebensabschnitt zu begleiten. Hier geht es also um den Schmetterling und seine Metamorphose in seinen unterschiedlichen mythologischen Bedeutungen als Todesbote, aber auch als Symbol für Wiedergeburt und Unsterblichkeit, oder für die Seele selber, die mit Hilfe von Schmetterlingsflügeln in die Freiheit entschwinden kann. Auch auf der Bühne tanzt Walerski nun mit seiner mittels grauen Haarsprays zur alten Frau gestylten Partnerin dem Tod entgegen, was aber keineswegs tragisch melancholisch vonstatten geht. Vielmehr bieten die vierzig Minuten ein Feuerwerk aus grandiosen Soli, Pas de deux, Trios und Ensemblepassagen, in denen die erstklassigen Tänzerinnen und Tänzer ihr riesiges Repertoire an zeitgenössischem Bewegungsvokabular präsentieren. Trotz aller Todessymbolik geraten manche Passagen durchaus witzig, was vor allem auch den skurrilen Texten einiger Lieder aus den genialen, 1999 erschienen „69 Love Songs“ der Indie-Pop-Band Magnetic Fields zu verdanken ist. Wer aber mit einem hoffnungsfrohen Ausblick rechnet, wenn sich ein schwarzer Vorhang nach dem anderen hebt und den Blick auf ein gewaltiges, von vereinzelten Sonnenstrahlen durchsetztes, dramatisches Wolkenpanorama freigibt, hat sich zu früh gefreut. Denn auch dieses strahlend eindrucksvolle Bild wird wie ein Vorhang weggeschoben und legt schließlich ein schwarzes Universum frei. Der Tod gibt seine letzten Geheimnisse nicht preis. Grandioses Finale eines eindrucksvollen Tanzabends. Dieser „Frühling“ hatte schon mal einen perfekten Start und lässt noch Großes erwarten!
Weiter Aufführung: 31.3.2012, 20 Uhr, Festspielhaus Bregenz
www.bregenzerfruehling.at