Jubel wie bei einem Popkonzert empfängt die Schauspieler. Nein, das ist kein Theater-Applaus, das ist etwas Persönlicheres. Der Abend pulsiert in den BesucherInnen. Als erster findet Kosmos-Direktor Hubert Dragaschnig zu einem trockenen Witz. "Was ist ein U-Bahn-Dieb?" Den Witz erzählten sich die Schauspieler während der Proben. "Ein Metro-Pole". So ist das! Wenn eine Migrantengruppe die Integration geschafft hat, fällt sie mit geballten Vorurteilen über die nächste her.
Was hat das mit Friedrich Schiller zu tun? Ziemlich viel, wie die Lehrerin Sonia Kelich (Anja Pölzl) beweist. Sie verbringt mit ihrer Klasse - in der die meisten einen sogenannten "Migrationshintergrund" haben - einen Projekttag. "Die Räuber" stehen auf dem Programm und "Kabale und Liebe". Von Interesse bei den Schülern zu reden, wäre krass übertrieben. Ausnahmslos sind sie damit beschäftigt, einender zu dissen. "Du Opfer!", "Du Spast!" sind noch die freundlichsten Ausdrücke, die sie füneinander haben. Hakim (Ümit Aydemir) wird sowieso als "schwule Sau" ausgegrenzt, und Musa (Anwar Kashlan) plustert sich zum Gangsta auf. Die andern verstecken sich hinter ihren Sonnenbrillen, finden zusammen in den Gesten der Ausgrenzung, in Tanzschritten, in Fußball-Legenden. Vom legendären Kopfstoß Zinedine Zidanes wird die Lehrerin sprechen, aber erst, wenn sie Kontakt gefunden hat zu ihren bildungsresistenten Schülern.
Und den Kontakt schafft eine Knarre, die aus Musas Tasche fällt. Die Lehrerin reißt sie an sich. Endlich kann sie die Schüler in Schach halten, ihnen die Werte von Demokratie und Aufklärung, Menschenwürde und Schönheit einhämmern. Die Pistole ist genauso paradox wie die moralische Keule, nur wirksamer. Im Spiel mit der Gewalt passiert etwas Wunderbares - ein Ausbruch aus den Regeln, eine Poesie der Grenzüberschreitung, das frühlings-schöne Erkunden möglicher Lebenswelten. So muss es Schiller vorgeschwebt sein, als er - ein wütender Schüler - "Die Räuber" schrieb, diese wüste Auseinandersetzung mit familiärer Gewalt.
Anja Pölzl, wunderbar facettenreich, lässt als Lehrerin keines der bösen Klischees aus. Allem müssen sich diese Jugendlichen stellen: der Kopftuchdebatte, der erniedrigenden Sprachdressur, sogar der Frage, ob Mohammed ein Kinderschänder war. Die Gruppe reagiert verwirrt, verstört, rebellisch, erstaunt - und es ist wunderbar, dieses Ensemble aus Schauspielprofis und Amateuren zu erleben, denn an Präsenz steht keine und keiner dem andern nach. Dass eine Regieleistung (Stephan Kasimir) so verhalten, so bescheiden daherkommt - auch das ist selten und kostbar. So wie das hintergründig witzige Bühnenbild von Peter Büchele, das dem Publikum einen Spiegel vorhält. So wie das fein ironische Lichtdesign von Markus Holdermann, das den vitalen Bestemm der Jugendlichen profiliert.
"In Anbetracht der Situation sind wir ziemlich weitergekommen", meint die Lehrerin am Schluss. Stimmt. Es gab den Kopfstoß von Zinedine Zidane - als Input. Und es gibt eine Fußballer-Weisheit als Finale. "Verzeihen ist die edelste Form der Rache." Das war nicht Schiller, das war Eric (oh ah) Cantona!
]]>Susanne träumt von einem Auftritt als Sandy in „Grease", schließlich sagt sie „bin ich innen nicht so, wie ich ausschau"; Vera (mit der Grande Dame des Wiener Volkstheaters, Vera Borek) gibt – schon reichlich besoffen – die Parabel von der Fliege und der Wespe zum Besten, die beide das offene Fenster suchen; und Martina beweint – in radebrechend breitem Salzburgerisch – die verbalen Spitzen des „bösen" aktionstheater ensembles gegen die Salzburger Festspiele. „Des is quasi mei Ursprung".
Das aktionstheater ensemble hat die Ein- und wieder Ausladung des streitbaren Schweizer Soziologen Jean Ziegler als Eröffnungsredner der Salzburger Festspiele 2011 als Aufhänger seiner Kunstbetriebssatire verwendet. Textflächen von Wolfgang Mörth wurden mit Erfahrungen der Schauspieler ergänzt beziehungsweise komplettiert. Der Moralkeule wird in Martin Grubers Inszenierung elegant ausgewichen, eigene Befindlichkeiten werden selbstironisch überhöht, sodass – dem Himmel sei Dank! – Wehleidigkeiten kein Platz eingeräumt wird.
„Wir wollen uns auf das Erscheinen unseres potentiellen Hauptsponsors wie die Kinder freuen, wollen ihn begrüßen und bewirten und begaffen und umstreunen wie Hunde. Alles ist demnächst vorbereitet. Der Schlumberger, das Ottakringer, das Red Bull, die zartrosa gebratene Barbarie-Entenbrust an Orangensauce."
Mit „SALZ BURG" bereitet das aktionstheater ensemble kurzweiliges Vergnügen, tiefere Gewässer wurden diesmal nicht aufgesucht.
]]>Die Inspiration war an diesem Abend offensichtlich auf der Seite der Künstler. Nach drei Stunden intensiver Vorbereitung im Team und Gmeiners kurzer Einleitung mit Bluesklängen am Keyboard betraten die vier die Bühne. Zur Einstimmung auf den folgenden Abend intonierten sie mit Unterstützung des Publikums in drei Gruppen ein Madrigal, das sich um die Themen „Superman“; „Schwiegermutter“ und „Hass“ drehte. Diese drei Begriffe waren Vorschläge aus dem Zuschauerraum. Damit wurde schon gleich zu Beginn ein Muster deutlich, das sich durch den ganzen Abend ziehen sollte. Den Zuschauern kommt eine große Rolle bei der Gestaltung der Show zu. Immer wieder unterbrechen die Spieler mit dem Signal „Freeze“ das Spiel der Kollegen, um selbst an die Stelle eines anderen zu treten oder weitere Ideen aus dem Publikum einzubauen. Spontane Gesangseinlagen sind ein weiteres Element der Show.
Im Anschluss bot „Paroli“ verschiedene kurze und stets kurzweilige Szenen, die immer wieder für großes Gelächter sorgten. Beispielsweise wurden in der Disziplin „Quadrat“, bei der die vier sich in dieser Form aufstellten, abwechselnd vier verschiedene Szenen präsentiert, die sich jeweils fortsetzen. Bei einer anderen Disziplin verließen zwei Schauspieler kurz den Saal. Die anderen beiden stellten mit den Begriffen „Einbruch“, „Schokolade-Diebstahl“ und „Niemandsland“ – wiederum Vorgaben aus dem Publikum – eine Geschichte dar. Für die wieder dazugeholten Spieler gab es die Szene ein zweites Mal zu sehen – aber dieses Mal ohne Ton. Diese Vorlage nutzten die beiden für ihre eigene Interpretation: Sie machten daraus einen nächtlichen Besuch auf dem Friedhof, bei dem sie die ausgegrabenen Leichen ihrer Goldzähne beraubten.
„Paroli“, die momentan einzige aktive Improgruppe Vorarlbergs, gibt es seit dem Jahr 2000. Für Gründungsmitglied Renée Lormans ist Improtheater „ein wertvoller Ausgleich zum Alltag sowie eine wundervolle Art, ‚loszulassen’ und sich auf den Moment einzulassen. Weg vom ewigen Hirnen zur Kreativität des Moments! Das Ganze funktioniert nur im Team, man muss sich gegenseitig kennen, vertrauen, herausfordern, und sich auf die anderen verlassen können.“ In der jetzigen Besetzung ist die Gruppe seit rund zwei Jahren zusammen. Dass an diesem Abend in Hard ein fünftes Mitglied fehlte, das sich ausschließlich um die Moderation kümmert, fiel bei dem spürbar großen gegenseitigen Verständnis der vier kaum ins Gewicht.
Ein Höhepunkt des Abends folgte nach der Pause: Das Studiogespräch einer Journalistin (Renée Lormans) mit Hermann Bärmann (Harald Kuntschik), einem anerkannten Experten für Gummibärchen, sorgte in der Simultanübersetzung in Gebärdensprache (großartig: Paul Sandholzer) für ausgelassenes Gelächter. Die Erfahrung der Künstler aus „klassischen“ Theatergruppen machte sich hier bezahlt. „Bei fast allen Spielern ist es so, dass sie in anderen Gruppen spielen oder gespielt haben. Das ist auch fast Voraussetzung für das Improtheater, dass man den ‚Rucksack’ mit Material schon mitbringt und nicht bei null anfängt – zumindest wenn man beabsichtigt, aufzutreten und dafür Eintritt zu verlangen“, erzählte Lormans mit einem Lächeln.
Schade nur, dass die Resonanz an diesem Abend etwas spärlich war. Die mitreißende Show der vier und ihrem Ein-Mann-Orchester hätte ein größeres Publikum verdient gehabt.
Wer neugierig auf Improtheater geworden ist: Kurse werden immer wieder in Vorarlberg angeboten. Informationen beim Landesverband für Amateurtheater: www.lva-theaterservice.at
Weitere Infos, auch zu Buchungsmöglichkeiten und den nächsten Terminen von „Paroli“: www.paroli.cc
Den Theaterverein dieheroldfliri.at haben Regisseurin Barbara Herold und Schauspielerin Maria Fliri vor vier Jahren gegründet – mit dem Ziel, mit ausgewählten Theaterprojekten künstlerisch Stellung zu beziehen. „Von Hollywood nach Uganda“ der englischen Autorin Jane Bussmann ist nach „Covergirl“ und „Ins Weiter schrumpfen“ das dritte Stück des Theatervereins.
Jane Bussmann, in London geboren, ist Comedy-Autorin. Sie schreibt für unzählige britische und amerikanische TV-Shows wie South Park, Smack the Pony und The Fast Show. Als Promi-Journalistin lebte und jobbte sie einige Jahre in Los Angeles. Die Erfahrungen, die sie in dieser Zeit machte, ihren anschließenden Ausstieg aus der Szene und ihre ersten Erlebnisse als Auslandskorrespondentin in Uganda beschreibt sie mit großem Witz und Selbstironie in ihrem Buch „Von Hollywood nach Uganda“. Ziel der Autorin ist es, Aufmerksamkeit für Menschen zu erregen, die über keine Lobby verfügen, weil sie arm, unrentabel und „schwarz" sind. Man erfährt erschütternde Details aus dem Leben von Weltstars ebenso wie aus dem Leben des „bösesten Mannes der Welt“, Joseph Kony. Kony, Anführer der Rebellenarmee Lord’s Resistance Army, hat in zwanzig Jahren tausende Kinder verschleppt und sie im Busch als Kindersoldaten und Sexsklavinnen „ausgebildet" und missbraucht.
In der „Welt am Sonntag“ war nach dem Erscheinen des Buches zu lesen: „Es ist das komischste, irrwitzigste, zornigste und wahrhaftigste Buch, das je über afrikanische Massaker, UN-Friedensmissionen und den Zusammenhang von Weltverbesserertum und Dummheit geschrieben wurde, und jeder, der sich von seinen Illusionen über den Zustand sowohl der Ersten als auch der Dritten Welt verabschieden will, sollte es dringend lesen.“
Barbara Herold hat es geschafft, das 420 Seiten lange Buch in einen kompakten Text von 90 Minuten zu verpacken, dem an Wesentlichem nichts fehlt. Die folgerichtige Chronologie der Ereignisse mit schnellen Wechseln und gut gewählten Längen, Herolds Liebe zum Detail, ihr Gefühl für Ausgewogenheit, das alles verleiht dem Theaterabend Stärke und Aussagekraft. Kaum jemand wird sich der Faszination des Stückes entziehen können – bis zum Schluss besticht es mit einer genialen Mischung von herrlich skurrilem Humor, glänzenden Regieeinfällen und dem todernsten Thema von Krieg, Kindersoldaten, Misshandlung und Vergewaltigung.
Maria Fliris humoristisches Talent, ihr einhundertprozentiger Einsatz, ihre Präsenz in jeder kleinen Geste verdienen Anerkennung. Mit Leichtigkeit wechselt sie in verschiedene Figuren, belebt und spielt diese in ihren unterschiedlichsten Facetten. Egal, wem Jane Bussmann begegnet, Fliri lässt die Personen lebendig werden, sei es Ashton Kutcher, der Friedensaktivist John Prendergast oder auch ein 15-jähriges, von Kriegsverbrechern geschundenes Mädchen. Die Ausstattung von Caro Stark drängt sich nicht in den Vordergrund, unterstützt einfach und klar die Geschichte.
dieheroldfliri.at hat mit der Auswahl des Stückes einmal mehr absolutes Fingerspitzengefühl für aktuelle, gesellschaftsrelevante Themen bewiesen. Den Theaterabend präsentierte das Duo als mitreißende Achterbahnfahrt der Emotionen – voll Humor und überbordender Lebenslust, aber auch wütend und Wut erzeugend, voll von menschlichen Abgründen und Untiefen sowie voll trauriger Wahrheiten.
]]>Das kennt jeder von sich selbst, und da auf der Bühne auch alle Altersklassen vertreten sind, konnte sich jeder in einer der Figuren wiederfinden. Alles war erschreckend normal. Wenn beispielsweise die betrogene Ehefrau mit Mühe den Esstisch auszieht und das Geschirr aufdeckt, während ihre leicht schusselige Schwester ununterbrochen von den Dramen ihres Lebens erzählt, um dann ihre neu entdeckten Weisheiten zu verkünden – „Das Beste ist, dass ich jetzt an das Jetzt denke“ oder „ich habe festgestellt, man kann die Zukunft nicht planen“ –, möchte man ihr zurufen: Na bravo, auch schon gemerkt und nun hilf deiner Schwester, pack mit an. Doch die würde das wahrscheinlich gar nicht zulassen in ihrer Hyperaktivität.
Die einzige Person, die nicht entblößt wird, bleibt die Indianerin, die mit ihrem leisen Cellospiel die Grundstimmung des Abends wiedergibt. Und doch: Auch sie benutzt die Lüge, um eine der Schwestern zu schonen, die dann aber gnadenlos kontert: „Nun geht es mir gut, weil ich weiß, dass Sie lügen können.“ Ibsen hatte recht, als er schrieb: „Nimm einem Durchschnittsmenschen die Lebenslüge, und du nimmst ihm zu gleicher Zeit das Glück." In Tracy Letts fünfstündigem Bühnenepos nehmen sich alle die Lügen und enden in Verzweiflung. Am Schluss trägt die Indianerin ein Gedicht des toten Patrons vor, in dem es unter anderem heißt: „Wir tanzen um den Stachelbaum ... zwischen Reden und Tat fällt der Schatten“.
Ein starkes Stück Schatten, diese Inszenierung von Alvis Hermanis mit viel Licht seitens der Schauspieler. Allen voran Kirsten Dene als Mutter, die ihre ganze Sippschaft vor den Kopf stößt und sie aus dem Haus treibt. Oder Dörte Lyssewski, die geschäftige betrogene Ehefrau, die im Laufe der fünf Stunden ihrer Mutter erschreckend ähnlich wird, Sylvie Rohrer als nahezu androgynes spätes Mädchen, Dorothee Hartinger als naive Plaudertasche oder Sarah Viktoria Frick als bekiffte einsame Vierzehnjährige. Hermanis lässt an diesem Abend „Endstation Sehnsucht“ auf Virginia Woolf und den „Gott des Gemetzels“ treffen. Das ist großes Kino, nur eben live.
Schade, dass der SAL in Schaan eine so schlechte Akustik hat, dass das Zuhören in den hinteren Rängen zur Mühsal wird.
Weitere Aufführung: Samstag, 31.3.2012, 20 Uhr
www.tak.li
Vorläufig sitzen sie noch zu zweit auf Samtstühlchen und motzen sich an. Die eine denkt nur an ihre Esterhazy-Schnitten, die andere giftet und beleidigt ihre Freundin, dass es eine politisch aber gar nicht mehr korrekte Art hat und schlägt dabei lustvoll Pfauenräder. Freundinnen, die einander kennen, das muss sein beim Bridge. Da spielt es sich – anders als beim Schach – mit Partnerin und gegen Gegner. Die Frauen müssen also gleich mehrfach auf der Hut sein, während sie da auf ihre „Gegnerinnen“ warten, um für ein Bridge-Turnier zu üben.
Wie fit ist die Partnerin, wie durchschaubar? Wie tickt sie in Eröffnungssituationen? Wie belastbar ist sie in kritischen Phasen? Marie-Claire wird von Juliane Gruber mit sardonischer Miene und bis auf die Knochen abgemagerter Inbrunst gespielt. Ein zerbrechliches Persönchen mit weit geöffneten Augen, das sein bebendes Haupt auf dünnem Hals balanciert. Stets weist diese Marie-Claire mit anklagendem Zeigefinger auf das Unrecht hin, das ihr offenbar angetan wurde. Nichts zählt für diese böse Prinzessin als ihr eigenes – unerreichbares – Wohlbefinden. Mit knochentrockenem Witz fertigt sie ihre Partnerin ab. Gertraud (Susanne Altschul) schickt sich an, in ihrem eigenen Fett zu versinken. Esterhazy-Schnitten und süchtig erwartete Klinikaufenthalte machen ihr Leben aus. Immerhin schlägt sie eine Art Wellness aus der Art, wie Ärzte einen Lebenssaft aus ihren mürben Muskeln schnetzeln.
Wie sich die beiden an ihrer jeweiligen Rechthaberei abarbeiten – das sorgt zwar für reichlich Gelächter, aber traurig ist es doch. Werden wir alle so? Eingemauert in die eigenen Behauptungen? Restlos desinteressiert am andern? Jede und jeder gefangen im eigenen Kosmos? Regisseur Augustin Jagg lässt uns, betört von der Brillanz der beiden Schauspielerinnen, erst mal zappeln.
Und dann kommt sie. Emma. Johanna Tomek. Sie hat die Löwenfrisur, die sich stilbewusste ältere Frauen niemals mehr machen lassen würden. Sie ist gnadenlos peinlich. Angesäuselt von etlichen Campari-Sodas brettert sie im Auto – und nichts verachtet sie so tief wie Radfahrer – zum Freundinnen-Treffen, um dort umgehend von Männern mit filigranen Händen zu schwärmen, die ihr auf der Autobahnraststätte feurige Blick zugeworfen hätten. Sex mit über 80?
In unserer Gesellschaft genügen oftmals schon Frauen über 30 den von der Werbung und den Medien suggerierten Vorstellungen von Jugend und Schönheit nicht mehr. So spürt man förmlich, wie das Publikum eine unheimliche Welt entdeckt. Denn diese drei Frauen über 80 haben die Freiheit, über ihre vielfach kolportierten Lebenslügen ehrlich zu reden. Schließlich kennen sie sämtliche strategischen Bridge-Tricks der Partnerin wie der Gegnerinnen. Und wenn ihnen doch einmal die Worte fehlen, fallen sie lasch in sich zusammen. Musikalische Filigranarbeit erklingt, in der ihre bösen Sätze nachhallen, Hörspiel im Theater – eines der vielen stimmigen Elemente dieser Inszenierung, die dem Text vertraut, ihn auslotet, in seine Abgründe blickt.
Es ist naturgemäß (und dieses Bernhard-Wort passt zum Text) eine männliche Sicht auf drei Frauen. Gustav Ernst leiht ihnen seine Worte und sein Empfinden, Augustin Jagg bietet ihnen seine Inszenierung an. Doch in diesem Spiegel erschaffen Johanna Tomek, Susanne Altschul und Juliane Grunde ein Spiel, das eine ganze weibliche Welt anbietet. Drei Frauen - stark und selbstkritisch und neugierig genug, die Brüche, die ihnen das Leben zugemutet hat, in immer neuen Strategien zu umkreisen. Und so keppeln sie sich durch einen wunderbaren Abend – auf einem Laufsteg, für den ihnen Werner Schönolt und Stefan Pfeistlinger die schönsten Bilder in ihren persönlichen Hintergrund gemalt haben.
Weitere Aufführungen:
31.3. und 1./7./8./12./13./14./15./19./20./21.4.
jeweils 20 Uhr
www.theaterkosmos.at
Vier Kandidaten, die sich um eine Top-Position in einem internationalen Konzern bewerben, befinden sich zu einem Auswahlverfahren in ebendiesem geschlossenen Raum. Anweisungen kommen schriftlich von außen durch eine sich selbsttätig laut öffnende Klappe. Die Probanden werden mit verschiedensten Aufgaben konfrontiert, die sie zwingen, sehr persönliche, intime Einzelheiten zu offenbaren und peinliche, ja kompromittierende Spielchen zu spielen. Jeder der vier Kandidaten will den attraktiv dotierten Job, aber nur einer wird ihn am Ende bekommen. Aggressivität und Misstrauen beherrschen die Szenerie. Ab und zu flammt ein ganz kleines Flämmchen Menschlichkeit auf, das aber sehr schnell wieder erstickt wird. In einem sich immer schneller drehenden Karussell von Lebenslügen bleibt der Mensch ganz einfach auf der Strecke.
Das Stück ist ein Psychokrimi – spannend mit unerwarteten Wendungen bis zum Schluss – und eine schwarze Komödie zugleich. Wir lachen über die kleinen menschlichen Unzulänglichkeiten, bis die Grausamkeit dieser Versuchsanordnung das Lachen erstickt. Der spanisch-katalanische Autor Jordi Galceran hat dieses Stück vor zehn Jahren geschrieben, 2003 wurde es in Barcelona uraufgeführt. Der Anlass, das Stück zu schreiben, war eine Reportage über das Personalauswahlverfahren einer spanischen Supermarktkette, das von einem Journalisten aufgedeckt wurde.
Regisseur Tobias Materna hat in seiner Arbeit sehr genau auf die Figurenzeichnung, besonders die Körpersprache, geachtet. Er führt uns vier vollkommen unterschiedlich reagierende Menschen vor. Dabei ist jedes Augenzwinkern, jeder Fingerzeig präzise gesetzt – jede Figur präsentiert sich auf ganz individuelle Art dem unsichtbaren Beobachter. Vieles ist nicht so wie es scheint, die Wendung am Schluss ist überraschend und soll auch an dieser Stelle nicht verraten werden. Die eingeschobenen Musik-Bewegungs-Sequenzen sind nicht wirklich nachvollziehbar, sie bremsen eher das Spiel, als dass sie es weitertreiben und arbeiten somit gegen die beklemmende Dichtheit des Textes.
Für die Schauspieler ist dieses Stück eine große Herausforderung, die sie meisterlich bewältigen. Allen voran Markus Menzel, der als Fernando Porta einen äußerst vielschichtigen Menschen zeigt, der die unterschiedlichsten Reaktionen auslöst, von Bewunderung über Verachtung bis zu absolutem Mitleid. Einen ganz anderen Charakter präsentiert uns Vollblutschauspieler Helmut Rühl mit seinem Enrique Font. Man fragt sich, wie dieser unsichere, ja fast clowneske Typ bloß in die Endausscheidung gekommen ist. Jugendlichen Esprit und Lockerheit bringt Kandidat drei – Alexander Julian Meile – in den Raubtierkäfig. Seine Figur verhält sich irgendwie sonderbar, was sich am Ende des grausamen Spiels erklärt und auflöst. Sehr straight präsentiert sich Katrin Hauptmann als Mercedes Degas – die einzige Frau im Raum, die Brutalität, Geschäftstüchtigkeit und soziale Intelligenz wunderbar kombiniert.
„Die Grönholm-Methode“ ist ein hochaktueller Psychokrimi, ein sarkastischer Kommentar auf die immer aggressiver werdenden Methoden auf dem Arbeitsmarkt, ein böses Stück über die Absurdität der heutigen Arbeitswelt. Und trotzdem wird gelacht!!
Robert zappelt nervös auf dem Liegestuhl auf dem Bootssteg von Max. Klara ist weg, und den Trigorin in Tschechows „Möwe“ werde er auch nie spielen, immer nur den verliebten Loser Medwedenko, diesen Dorfschullehrer. Max, der den Beruf des Psychiaters aufgegeben hat, weil er jeden Patienten „schon am Klingeln erkennen“ konnte, schnauzt den theatralischen Robert an: „Leute wie du waren der Grund, warum ich mit dem Beruf des Psychiaters aufgehört habe.“ Trotzdem verpasst er seinem Freund eine Sprechstunde. Er habe das Stück in einer „Klara-Situation“ geschrieben, sagt der Autor Felix Römer. Sein Mut zur Selbstironie bei gleichzeitig liebevollem Blick auf die beruflichen Brüche im Leben von Schauspielern, Autoren und Therapeuten macht das Funkeln dieser Komödie aus.
Und das Spiel wird von den „Kosmonauten“ mit ausgesprochener Eleganz weitergetrieben. Alex Kölbl baut ein Bühnenbild, das die hochgelobte heimische Holzbau-Architektur in ein Techschow’sches Landgut überführt. Lichtdesigner Markus Holdermann nimmt vorab schon planen Realismus aus der Szene, indem er einen leise kitschigen Mond und eine orange Sonne an den Himmel malt. Herwig Hammerl liefert den Soundtrack zum Gejammer der Buddies – eine Prise Lou Reed, ein bisschen Mick Jagger und etwas Reggae. Das stimmt alles so schön ironisch zusammen, dass Regisseur Augustin Jagg sich auf die tieferen Schichten des Stücks einlassen kann. Denn seine beiden grandiosen Darsteller Marko Pustisek (Max) und Hubert Dragaschnig (Robert) versagen sich die Knallchargen, die der Text durchaus anbieten würde. Sie zeichnen die Lächerlichkeiten ihrer alternden Männer so, dass deren Würde gewahrt bleibt – und das ermöglicht uns Zusehern, bei all dem Salz, das „Im Herbst“ in unser aller Wunden streut, zu lachen.
„Im Herbst“ kann man auch als Auseinandersetzung des Theater Kosmos mit eigenen, strukturellen Problemen sehen. Er werde "auf keinen Fall einen Bestseller schreiben", schmunzelt Augustin Jagg. Ob er demnächst endlich ein Stück von Tschechow inszeniert? Hubert Dragaschnig probt ja schon jetzt auf der Bühne den Trigiron-Text.
Weitere Termine: 28./29.1. und 2./3./4.2., jeweils 20 Uhr
www.theaterkosmos.at
]]>Dipl.-Vw. Andrea Kaufmann sagte beim Pressefoyer im Vorarlberger Landhaus, an der auch Dr. Werner Grabher (Vorstand der Abteilung Kultur im Amt der Landesregierung) teilnahm: „Vorarlberg hat seit vielen Jahren eine überaus lebendige Theaterszene, aber noch nie gab es eine derart konzentrierte Präsentation von Jugendtheater, wie dies im Rahmen von STELLA möglich sein wird.“ Dem Land Vorarlberg liege das junge Theaterpublikum am Herzen, erklärte die Kulturlandesrätin und verwies stolz auf die beiden Schultheatercoaches, die es seit diesem Schuljahr gebe – die ersten in Österreich.
Im Rahmenprogramm namens „Spot on Vorarlberg“ werden auch Vorarlberger Theater- und Musikproduktionen zu sehen sein, beispielsweise von Sonus Brass Ensemble und der Kreativkompanie XTHESIS. Im Wettbewerb hingegen nicht: Die Liste der Nominierten umfasst keinen Beitrag aus Vorarlberg. „Schade, dass die unabhängige Jury keine hiesige Produktion nominiert hat, ich bin ja selbst Vorarlberger. Aber natürlich ist zum Beispiel die freie Szene in Wien eine viel größere – kein Wunder also, dass Wien stark vertreten ist“, wiegelte Christoph Thoma ab. Der heutige Intendant der Grazer Spielstätten arbeitete bis 2008 als Geschäftsführer der Bludenz Kultur GmbH
Ehrenamtlich hat Thoma im Sommer vergangenen Jahres noch den Vorsitz von ASSITEJ Austria übernommen, dem Dachverband der österreichischen Theater- und Tanzszene für junges Publikum und Intiator des STELLA-Festivals. Die ASSITEJ (Association Internationale du Théâtre pour L’Enfance et la Jeunesse) setzt sich weltweit für die Förderung des professionellen Theaters für Kinder und Jugendliche ein. Österreichweit sind über 80 Mitglieder organisiert: in Vorarlberg das Landestheater in Bregenz, das Luaga&Losna Festival, das Theater Minimus Maximus/Theater der Figur und Il Segreto di Pulcinella.
Schauplätze des im Jahres-Rhythmus ausgetragenen Festivals sind neben dem Vorarlberger Landestheater, der Spielboden in Dornbirn, das Theater am Saumarkt (Feldkirch), die Remise Bludenz sowie das TAK Theater im liechtensteinischen Schaan. „Diese Ausweitung des Festivals ist ein neuerlicher Anstoß für kulturellen Austausch über die Grenzen in unserer Region“, sagte Landeshauptmann Wallner.
Am 27. April werden im Vorarlberger Landestheater unter den zehn nominierten Stücken, darunter Produktionen des Burgtheaters, des Theaters am Ortweinplatz Graz und des Linzer Landestheaters, die Sieger gekürt. Weitere Preise werden für herausragende Ausstattung und herausragende Musik vergeben, dazu kommen ein Spezial- und ein Sonderpreis. Die Trophäe für die Preisträger, die sogenannte STELLA-Statue, wird heuer im Rahmen eines spartenübergreifenden Kunstprojektes des Bregenzer Künstlers Marbod Fritsch mit den Lehrlingen der Firma Grass gestaltet.
Weitere Informationen:
www.assitej.at